Galeria !!!

As Flores de plástico não morrem... Feliz 2011!!!

2010-12-31T09:09:00.000-08:00

O que posso desejar a meus fiéis leitores senão um 2011 de muitos ganhos e pouco tempo perdido, afinal "Só quero saber o que pode dar certo. Não temos tempo a perder"

Sucesso sempre!!!!

O "Telephone" que Lady Gaga nos deu em 2010!

2010-12-30T11:06:00.000-08:00

Os teóricos da comunicação sempre defendem que a mídia e os processos comunicativos que se dão pela mesma, evoluiriam pela convergência tecnológica. No mundo de hoje isso é quase banal de se ser analisado. Mas dentro dessa banalidade existe o fato; e o fato é que os que se destacam hoje no panorama midiático mundial, são os que melhor dialogam com esses níveis. Pronto, taí a explicação para o fenômeno Lady Gaga. E porque Telephone foi o Melhor Hit e Clipe de 2010, sedimentando a artista como um dos melhores signos da cultura Pop da década, independendo de gostar ou não de suas músicas.

Acima de análises críticas, a cantora, compositora, “agitadora”, performer e afins encontrou em 2010 um ano propício a seu ápice: conquistou o primeiro single número 1 de 2010, no concorrido mercado musical inglês, com Bad Romance. Sua badalada turnê The Monster Ball conseguiu a façanha de lotar os difíceis espaços do Leste Europeu e suas capas em revistas como Q e Vanity Fair, renderam polêmicas e/ou formam proibidas em bancas americanas por insinuação de nudez (!). Em 2010 ela superou o presidente Obama em “curtições” no Facebook e Britney Spears, em seguidores no Twitter. Foi incluída na lista das 25 pessoas mais influentes do planeta, pela Times e papou quase todos os principais prêmios do Brit Awards (3), MTV Europe Awards (3) e MTV Video Music Awards (impressionantes oitos prêmios, numa mesma noite).

Já é mais do que sabido (e estudado) que Gaga “se constrói” através de uma entourage quase institucionalizada o Haus of Gaga, que planeja milimetricamente seus passos imagéticos par compor o que ela se tornou. Mas é inegável que quando promove uma emblemática apresentação numa premiação, cantando Paparazzi, com um figurino andrógino simulando um sangramento, vemos que ali existe mais do que um produto e sim uma forma profissional evocar uma personalidade artística.

Mas porque Telephone foi o grande hit de 2010? Uma parceria valiosa com Beyonce, numa construção sonora com um groove muito bem harmonizado e uma letra sexista, mas de facílima assimilação. Fora que, sabendo explorar muito bem suas possibilidades audiovisuais, Gaga vem produzindo clipes antológicos que se sustentam na experimentação artística de uma provável mensagem e/ou na imposição de uma mítica para repercutir numa geração (algo “criado” pelo gênio Michael Jackson e muito bem assimilado e vitalizado por nomes como Madonna e Prince). Telephone, dirigido por Jonas Akerlund (papa dos clipes tendo já trabalhado para Mika, Rolling Stones e citada Madonna, inclusive, dirigindo seu último e interativo clip Celebration, muito bom, por sinal), num trabalho recheado de referências cinematográficas e literárias, sendo quase um curta metragem, com sua extensa e bem aproveitada duração de nove minutos. Óbvio que o fator provocação é outro item que contribuiu bastante para o clipe. Lesbianismo, banalização da morte e contravenções são explorados rotineiramente na produção, mas nada ali é levado a sério e o ar kitsh faz toda a diferença no resultado final. Telephone é a prova de que vivemos num tempo em que o politicamente vive na linha tênue entre o correto e o incorreto, e quem disse que isso importa alguma coisa? Lady Gaga é uma junção de retóricas, até de si mesma como produto e artista, mas a evolução da espécie nos deu senso de diagnosticar aquilo que queremos reter. E hoje ela tem funcionado como os dois.

Dica de Música: Ouçam "Telephone" que é viciante...

O retrato que o GLOBO de OURO revela

2010-12-29T09:06:00.000-08:00

Crise. A tradicional Associação de Imprensa Estrangeira em Hollywood (HFPA, na sigla em inglês) anunciou os indicados ao 68º Globo de Ouro, considerado uma prévia do Oscar.

Os filmes A rede social, de David Fincher e O discurso do Rei, de Tom Hooper, são favoritos com seis e sete indicações, respectivamente.

Mas o que se percebe é como a qualidade da grande maioria dos filmes indicados é absolutamente questionável, dentro até da mesma associação que vota. Existem indicações que não se justificam e só reforçam a ideia, já levantada em publicações respeitadas como a Vanity Fair e a Time, de que o cinema pós moderno (!) vem passando por uma crise artística sem precedentes. E mais uma vez, a TV faz bonito, principalmente por não entrar nesse processo de infantilização do público que o cinema anda se rendendo.

Vamos às principais indicações para entendermos essa ilógica que predomina no mercado cinematográfico atual:

Melhor filme de Drama

A Rede Social

A Origem

O Cisne Negro

O Discurso do Rei

O Vencedor

Talvez o mais equilibrado, ainda mais com o acirramento dos filme A Rede Social, O Discurso do Rei e, agora, Cisne Negro. Mas não tem como ignorar que a Associação deixou de fora filmaços como O Escritor Fantasma, de Polanski, e o elogiadíssimoBravura Indômita, dos Cohen.

Melhor filme Musical ou Comédia

Alice no País das Maravilhas

Burlesque

Red

O Turista

Minhas mães e Meu Pai

Como sempre, a categoria mais absurda da premiação. Burlesque é tido como uma “palhaçada carnavalesca protagonizado porChristiana Aguilera” (!). O que que é essa indicação de O Turista??? Um banal filme de aventura com Angelina Jolie eJhonny Depp??? Será que só levaram em conta o “star quality” do elenco??? Fico me perguntando qual o argumento para a indicação de Red... Ação até simpática, mas de modo geral, abaixo da média e Alice, que apesar de ser um trabalho deslumbrante, está há anos luz da genialidade de Tim Burton... Ignorar Scott Pilgrim contra o mundo é algo imperdoável (e olha que nem sou nerd ou coisa parecida!). E alguém explica onde que Red e O turista é melhor que o último filme de Woody Allen??? Ainda bem que Minhas Mães e Meu Pai é realmente bom, pois senão esse ano seria conhecido como o ano em que não havia concorrentes na categoria que não esbarrasse na mediocridade.

Melhor direção

David Fincher – A Rede Social

Darren Arronofsky – O Cisne Negro

To Hopper – O Discurso do Rei

Christopher Nolan – A Origem

David O. Russel – O Vencedor

Curioso que nas indicações a Melhor Direção só ter filmes classificados por Drama, não?

Melhor Roteiro

A Rede Social – Aaron Sorkin

O Discurso do Rei – David Seidler

A Origem – Christopher Nolan

Minhas Mães e Meu Pai – Lisa Cholodenko e Stuart Bloomberg

127 Horas – Danny Boyle e Simon Beaufoy

Um tanto controverso, essa categoria demonstra a fragilidade das indicações. 127 Horas, de Boyle enfim é lembrado e tenho realmente muitas dúvidas se o (comentadíssimo) roteiro de Cisne Negro é inferior aos demais...

Melhor atriz em filme de Drama

Natalie Portman – O Cisne Negro

Michelle Williams – Blue Valantine

Halle Berry – Frankie & Alice

Nicole Kidman – Rabbit Hole

Jennifer Lawrence – Winter’s Bone

Halle Berry é sempre um nome a se considerar. Nicole Kidman tem se redimindo com esse filme. Michelle Williamsemociona já no trailer de Blue Valantine; mas parece ser o ano de Natalie Portman. E merecidíssimo.

Melhor ator em filme de Drama

Jesse Eisenberg – A Rede Social

Colin Firth – O Discurso do Rei

Mark Wahlberg – O Vencedor

Ryan Gosling – Blue Valentine

James Franco – 127 Horas

O Oscar 2010 era para ser de Colin Firth, pelo arrebatador trabalho em A Single Man (me recuso a citar a tradução brasileira...), mas quem sabe esse ano não vai. Jesse Eisenberg é assustador em A Rede Social. Mark Wahlberg e Ryan Gosling vem colhendo elogios por seus filmes e James Franco dá (literalmente) o sangue em 127 Horas. Ano difícil...

Melhor atriz coadjuvante

Mila Kunis – O Cisne Negro

Helena Bonham Carter – O Discurso do Rei

Amy Adams – O Vencedor

Melissa Leo – O Vencedor

Jacki Weaver – Animal Kingdom

Nenhum desses filmes estrearam ainda por aqui, mas se fossemos avaliar por repercussão a briga é declarada entre Mila Kunis eHelena Bonham Carter.

Melhor ator coadjuvante

Andew Garfield – A Rede Social

Geoffrey Rush – O Discurso do Rei

Christian Bale – O Lutador

Michael Douglas – Wall Street: O dinheiro nunca Dorme

Jeremy Renner – Atração Perigosa

Garfield é uma das melhores coisas de A Rede Social, assim como Michael Douglas em Wall Street. Jeremy Renner justifica sua badalação em Atração perigosa e Geoffrey Rush é Geoffrey Rush... Briga boa...

Melhor atriz em filme de Comédia ou Musical

Anne Hathaway – Amor e outras Drogas

Emma Stone – Easy A

Julianne Moore – Minhas mães e meu Pai

Annette Bening – Minhas mães e meu Pai

Angelina Jolie – O Turista

Será que dessa vez Annette Bening será lembrada? E o que que é essa indicação para Angelina Jolie???

Melhor ator em filme de Comédia ou Musical

Johnny Depp – O Turista

Johnny Depp – Alice no País das Maravilhas

Jake Gyllenhaal – Amor e outras Drogas

Kevin Spacey – Casino Jack

Paul Giamatti – Barney’s Version

Johnny Depp não precisa provar nada para ninguém: é, sem nenhuma dúvida, um dos melhores atores de sua geração. Mas nem O Turista, nem em Alice isso é denotado. Isso tudo para Kevin Spacey ter companhia nas indicações??? E cadê Michael Cera???

Melhor Animação

Toy Story 3

Meu Malvado Favorito

Como treinar seu Dragão

Enrolados

O Mágico

O Mágico traz o vigor europeu e todos os demais são dignos (mais uma vez a animação rendendo mais que os filmes tradicionais e ditos adultos), mas nada se compara ao êxito, em todos os níveis de Toy Story 3

Melhor Série de TV de comédia ou Musical

Glee

Modern Family

The Big C

30 Rock

The Big Bang Theory

Nurse Jackie

É inegável que todas as indicadas mantiveram o nível ou se destacaram logo de cara. The Big C é memorável, Glee ainda repercute (muito) bem, The Big Bang Theory teve uma das melhores temporadas e 30 Rock se reinventou; mas Modern Family é genial com tão pouco...

Melhor atriz de série de comédia ou musical

Lea Michele – Glee

Laura Linney – The Big C

Tina Fey – 30 Rock

Edie Falco – Nurse Jackie

Toni Collette – United States of Tara

Laura Linney é tão boa, mas tão boa que dispensa qualquer anedota explicativa.

Melhor ator de série de comédia ou musical

Matthew Morrison – Glee

Jim Parsons – The Big Bang Theory

Alec Baldwin – 30 Rock

Steve Carrell – The Office

Thomas Jane- Hung

Disputado e difícil de prever, ainda que sem grandes novidades.

Melhor série de Drama

The Good Wife

Mad Men

The Walking Dead

Dexter

Boardwalk Empire

Cinco séries muito competentes, mas Scorcese na estréia de Boardwalk Empire diz muito sobre quem será o vencedor. Fato.

Melhor atriz de Série Dramática

Jullianna Marguiles – The Good Wife

Kyra Sedgewick – The Closer

Elizabeth Moss – Mad Men

Piper Perabo – Convert Affairs

Katie Segal – Sons of Anarchy

Disputado e difícil de prever, ainda que sem grandes novidades.

Melhor ator de Série Dramática

Jon Hamm – Mad Men

Hugh Laurie – House

Michael C. Hall – Dexter

Bryan Cranston – Breaking Bad

Steve Buscemi – Boardwalk Empire

Jon Hamm sempre merece por Mad Men, assim como Michael C. Hall e seu Dexter. Steve Busceni deve levar principalmente por verter para TV seu incontestável talento na tela grande.

O Globo de Ouro não é nada senão um panorama daquilo que o cinema é/foi neste ano. Não se trata de nada definitivo mas se olharmos para o cinema da década de 70, 80 e até 90 veremos que se progredimos tecnicamente (Avatar), regredimos artisticamente (e isso engloba até o endeusado cinema europeu, vide o novo filme de Godard). A pergunta que fica é, qual o caminho do cinema a partir de agora?

Dica de Música: "Boas Novas" (Cazuza)

As razões de Paul Haggis em "72 Horas"

2010-12-29T06:17:00.000-08:00

Após o inusitado Oscar por “Crash”, o diretor Paul Haggis só fez aumentar o seu prestígio em Hollywood. Mesmo que esse seja seu filme mais irregular e equivocado, Haggis se destaca pelos roteiros, que ele mesmo escreve e a forma desencantada com que os filma.

Neste seu novo filme, “72 Horas” (The Next Three Days, 2010), refilmagem do francês “Pour Elle”, ele ainda consegue adaptar com enorme segurança, e ainda deixar impresso sua marca dramatúrgica: as vias que definem a ambiguidade de quem achamos que conhecemos bem.

John (Russel Crowe) e Lara (Elizabeth Banks) formam um casal apaixonados que tem uma vida aparentemente tranquila, com seu filho. Até que numa manhã a vida deles ganha um tensa reviravolta.

Acusada de assassinato, Lara é levada pela polícia enquanto John mal consegue conter o desespero de seu filho de três anos que, assustado com a invasão, só consegue chorar. Julgamentos e apelações depois, John faz de tudo para provar a inocência de sua esposa e criar, com a ajuda de seus pais. Quando seu filho está cada vez mais distante, a esperança de Lara esvazia e ela se torna suicida, John parte então para uma atitude igualmente desesperada: vai criar uma forma de tirar sua esposa da prisão.

Haggis estrutura seu filme sob a lógica da tensão e da emoção. Apesar da identidade de thriller, o filme na verdade é uma urgente história de amor e talvez seja essa a grande sacada da produção. O amor incondicional desse marido traz humanidade aos absurdos que as situações apresentadas no decorrer da história evocam. E acompanhar toda aquela via crucis de John, sem saber se suas razões são justificáveis ou se seu esposa é mesmo inocente dá uma adrenalina, no mínimo interessante na assimilação daquele drama. E nisso, Haggis sempre é mestre uma vez que ao sempre trabalhar na linha da dualidade, seja de caráter, seja de discurso, acaba por abrir muitas possibilidades para um discussão mesmo durante seus filmes.

O ator Russel Crowe está simplesmente fenomenal (páreo para seu excelente trabalho em “O Informante”) conseguindo transcender toda a gama de desespero e passionalidade que seu personagem exige. Diria que merecia muito uma indicação ao Oscar 2011 (muito mais do que o inexplicável Oscar que ganhou pelo apenas correto “Gladiador”). Ele ajuda a tornar o filme possível, do ponto de vista da verossimilhança.

“72 Horas” não é perfeito, mas é um atestado de que Paul Haggis sabe (ainda) muito bem manipular os signos da dramaturgia cinematográfica.

Dica de Música: "Flores" (Titãs e Marisa Monte)

"A rede social" e sua forma de nos mostrar primitivos...

2010-12-27T19:08:00.000-08:00

Não vou esquecer do impacto causado pelo primeiro trailer do filme A Rede Social. As imagens de fotos espontâneas do Facebook iam se intercalando dramaticamente, ao som de Creep, melancólica e vívida canção da banda Radiohead, interpretada pelo coral feminino belga Scala & Kolacny Brothers, de forma paradoxalmente angelical, e logo em seguida, o filme ia se revelando num contexto de edição Shakespeareano.

Havia já ali a grande força do que o filme tinha a dizer: o retrato de uma geração sob os desígnios das redes sociais. E a certeza maior de que a vida ainda é bem mais interessante e dimensionada que a arte. Criada em 2003 em Harvard por um universitário desprezado por todas as mulheres do campus depois de ter desenvolvido um site que servia para classificá-las de acordo com sua aparência , oFacebook tornou-se parte da vida de quase toda a população conectada internet. Mas o que o filme procura evocar, principalmente ao demonstrar de forma irônica o contexto social cada vez mais vigente nos atuais relacionamentos interpessoais, é a personalidade de seu criador, Mark Zuckerberg, cuja genialidade o torna um ser tão idiossincrático quanto conflituoso.

O jovem ator Jesse Eisenberg (Zumbilândia) parece ter nascido para o papel, trafegando com segurança veterana, na linha tênue entre a esquizofrenia e a dissimulação. Seu Zuckerberg parece gravitar pelo senso de humanidade para com as pessoas. Vivendo num eixo de princípios próprios, vai construindo seu projeto como uma sina pessoal (potencializada com sua falta de traquejo com a namorada, que termina a relação) e acaba chamando a atenção dos gêmeos Cameron e Tyler Winklevoss (Armie Hummer), que trabalham num projeto próprio de uma rede social dentro de Harvard (o que futuramente evoluiria para um processo dos gêmeos contra Mark, por roubo da ideia original). Mark mostrou-se mais ambicioso diante dos progressos de seus estudos para um site e, junto com o amigo brasileiro Eduardo Saverin (Andrew Garfield) criou o tal site, que acabou virando o fenômeno que se tornou.

A direção de David Fincher é primorosa por perpassar toda a construção do que essa história acabou por se tornar de forma elegantemente relativizadora. Nas mão de Fincher, Zuckerberg é algo como um algoz do outro, mas algo como uma vítima de si. Nesta imprecisão de julgamentos reside a humanidade de suas consequências. O diretor é mestre em descentralizar uma trama em retratos universais (O clube da Luta, Zodíaco e O curioso caso de Benjamin Button se assemelham por isso). Sua câmera passeia pelos ambientes em busca das intenções. Seja a passionalidade fraternal (tão brasileira) de Saverin, muito bem explorada pelo trabalho de Garfield (aparentando ter sido mesmo uma boa escolha para o futuro Homem-Aranha), seja pela surpreendente performance de Justin Timberlake, como Sean Parker e a sutileza com que consegue adentrar no universo Facebook, seja pelo ar desolador (com uma fotografia elegantemente fria) com que cada personagem vai se relacionando e se repelindo.

A narrativa se impõe em flashbacks, estruturada pelos processos legais que Zuckerberg enfrentou (e ainda enfrenta até hoje) ao, longo desses sete anos. Por mais verborrágico que isso possa parecer (o que até é uma ironia num filme que se propõe a falar de redes sociais), o roteirista Aaron Sorkisconsegue manter o interesse do discurso justamente por trabalhar a questão psicológica de seus personagens. O espectador então compreende mais a intenção daquela extensa profusão de diálogos que o filme apresenta. Diálogos esses, que são muito bem fundamentados na força de sua (real) história.

Imagino que o ponto de partida para esse filme tenha sido bastante difícil. Uma história que fala sobre o criador do Facebook, não é lá um tema muito animador. Pois foi só colocar uma lente de aumento nesse criador para o filme já estar pronto. A grande sacada de Fincher foi identificar ali uma radiografia de uma geração. Quando assistir ao filme e chegar a última cena, a reticência que o diretor ilustra numa cena cheia de significados, é transferida para nós. Diante de toda multiplicidade que o mundo agrega ano após ano, são nos sentimentos mais primitivos que ele mostra quem realmente é.

Ah, sim… Agora entendi a razão da escolha de Creep para a trilha do filme: “I’m a weirdo. What the hell am I doing here? I don’t belong here. I don’t belong me”

Dica de Música: "Creep" (Radiohead)

"O Garoto de Liverpool" aponta caminhos para Lennon e para cinebiografias

2010-12-21T20:48:00.000-08:00

É sabido que muito do que somos é consequência do que fomos. Mas há casos em que o “fomos” não só justifica o “somos” como também esclarece muito do processo até chegarmos lá.

O garoto de Liverpool que biografa a adolescência de John Lennon (1940 – 1980), vai por esse caminho ao destrinchar de forma fortemente psíquica a degradada formação familiar do cantor. A diretora Sam Taylor Wood tem profunda sensibilidade ao abordar o complicado envolvimento de Lennon com a mãe que o abandonou e a tia que o criou. Nesse conflito, tanto personagem quanto filme crescem pois é onde ficam visíveis as possibilidades dramáticas de ambos. E Sam conduz tudo com certo frieza ortodoxa, que é de muita ajuda para evitar a banalização sentimental que uma trama como essa pode cair.

O roteiro de Matt Greenhalgh, nivela bem o crescimento do ídolo com o gradativo amadurecimento pessoal pelo qual perpassa. É interessante observar o trabalho de contraposição do nascimento de uma possível rebeldia juvenil indo de encontro com a amplitude de percepção de que a vida é bem mais complexa do que as vezes enxergamos. E o roteiro explora essa dualidade muito bem. E isso até nos pequenos detalhes pessoais do biografado como a crescente paixão e curiosidade musical e uma indefinida relação com um jovem e centrado Paul McCartney (brilhantemente interpretado porThomaz Sangster).

Aliás, o elenco é um dos fatores que fazem o filme ser maior do que a prosaica história que conta poderia ser. Dando vida ao protagonista, o jovem Aaron Johnson (Jack Ass) deixa claro um interessante trabalho “Stanislaviskiano” de composição mas da persona do Lennon do que da aparência propriamente dita. É um ator que tem um caminho grande pela frente, mas já demonstra muito vigor nesse caminho.Anne Marie Duff tem uma papel dificílimo como a multifacetada mãe do cantor. E a defende de forma gloriosa. Mas quem realmente arrepia o espectador é Kristin Scott Thomas dentro do cartesianismo de sua tia Mimi, fria dona de casa londrina, tipicamente anos 50, que suprimia as emoções pela razão de justificar tudo e todos. Sua composição é assustadora e inteiramente livre de julgamentos. Trabalho preciso mesmo.

Muito foi dito sobre a real necessidade de se fazer mais uma biografia de um Beatle, mas o resultado do filme revela que a diretora estava mesmo interessada em investigar o sentido de um mito, pela sua natureza embrionária. Esses focos distintos (seja a metalinguagem mitológica de Bob Dylan em Não Estou Lá ou a investigação estética intrínseca em Control, sobre o obscuro Ian Curtis) norteiam caminhos que as cinebiografias podem seguir, e por mais que a de Lennon pré-Beatles soa mais conservadora em sua forma, ela é reveladora em seu conceito, pois não se deslumbra com o poder de seu protagonista e sim tira dele todo o sumo que pode para nos fazer compreender do que é feito a genialidade dos que se perpetuam pela arte.

Dica de Música: "Fake Empire" (The National)

Michael Jackson ainda é maior que o oportunismo que o cerca

2010-12-19T05:33:00.001-08:00

Definitivamente a obra de Michael Jackson é muito superior ao oportunismo circense em cima de sua morte. Isso fica bem claro quando analisamos o mais novo emblema dessa sangria póstuma: o cdMichael, novo álbum de inéditas do astro.

É um daqueles projetos que visam claramente espremer dólares do “corpo” de Michael, mas por incrível que possa parecer o resultado é bem acima da média.

O cd vem com dez músicas e uma capa que busca a memória afetiva do fã com um visual bem característico dos tempos áureos do cantor.

Hold My Hand, abre o disco e externa uma previsível parceria com Akon… A canção é bem bonitinha e demonstra a junção do viés épico das canções de Jackson com o hip hop pasteurizado do cantor de origem senegalesa.

Hollywood Tonight é puro Jackson dos anos noventa, com seu pop efervescente sempre as vias de uma catarse melódica. A batida é contagiante e fico me perguntando como deixaram essa música de fora de discos anteriores.

Keep Your Head Up é uma baladinho que fala de superação (tão recorrente na obra do astro) que nada acrescenta ao todo.

I Like The Way You Love Me é outra pérola esquecida. Sua natureza soul é perfeita a melodia quase sessentista que o cantor converge de forma sensacional. Uma das melhores músicas do cd e do acervo dele.

Monster, com participação de 50 Cent , evoca um Michael mais contemporâneo, dialogando com as novas configurações do R&B, tão em voga no showbizz contemporâneo americano… O rapper aparece de forma absolutamente previsível na canção, mas é uma hit convincente.

Best of Joy é daquelas que daqui há uns anos estará no insistente line up de rádios como Antena 1 eParadiso FM. E isso é um bom sinal sim…

Breaking News é assustadoramente biográfica. Sua letra é fel puro contra as intimidações da imprensa frente a vida do astro. Mas nada é gratuito aqui: a música é riquíssima em sua melodia vocal. É impressionante como o cantor consegue imprimir sempre uma mesma marca mas de forma inovadora. É “a” música do disco.

(I Can’t Make It) Another Day, anunciada parceria com o cantor Lenny Kravitz é mais do mesmo. E até agora fico me perguntando qual a representatividade de Kravitz na música e no CD como todo? Ficar repetindo o coro? Fraquíssima.

Behind the Mask é a grande prova que Michael era um grande maestro de sonoridades. Essa música aponta para esse feeling que tanto fez a diferença em seu repertório. Para ser descoberta aos poucos… Nas segunda ou terceira vez, você já está apaixonado…

Much to Soon é uma das faixas que sobraram do clássico Thriller, de 1982. Há um certa ingenuidade em sua concepção, bem característica da época e serve para fechar o CD de forma melancólica.

Michael, no geral, é mais interessante que Invencible, até então o último CD de inéditas do astro. É a comprovação de que mesmo as tais sobras de estúdio que o cantor mantinha é ainda muito superior a grande maioria do que se é produzido hoje, sob a pecha do pop. E ainda nos faz lamentar, mais uma vez, essa perda.

Dica de Música: Ouçam o CD, que vale a pena!

"Megamente" é um superlativo um tanto limitado

2010-12-19T05:27:00.000-08:00

Até a retórica cansa… Pensei nisso ao fim da sessão da mais nova animação da Dreamworks Megamente. Não que seja um filme ruim. Estão lá todos os ingredientes que deram status e importância ao gênero de animação nas ultimas décadas: texto inteligentemente universal, preciosismo estético e certa ironia comportamental. Aí é que está. Acaba que com toda a sua graça, resulta em mais do mesmo. Toda animação agora tem que parodiar a sociedade e inverter a lógica do sentido de heróis. Afinal, Shrek, Meu Malvado Favorito e Monstros S.A. não são assim?

Na história, o pequeno Megamente (Will Ferrell na versão original e Cláudio Galvan na nacional) aterrissa numa penitenciária e é criado por vários criminosos. Logo, ele mostra sua aptidão para inventar máquinas e toda sorte de engenhoca para impressionar os outros, mas sempre é obscurecido pelo garotinho da outra cápsula, que teve uma criação generosa e ficou conhecido como Metro Man (Brad Pitt em inglês, Thiago Lacerda em português).

Já adultos (e inimigos mortais), os dois duelam uma última vez e Megamente consegue massacrar o super-herói. Sem seu rival, o lorde do mal não se sente bem. Pelo contrário, ele se vê num vazio imenso sem ninguém para se opor às suas vilanias, sentindo até culpa por seus atos, e começa a se questionar sobre o porquê dele mesmo não ser um super-herói – e, é claro, esse questionamento trará muita dor de cabeça para ele (e para a cidade de Metro City).

Como tem se mostrado uma alternativa bem mais inteligente ao cinema, as animações estão cada vez mais ambiciosas e aos poucos isso tem se tornado uma obsessão tamanha que acaba por tolir a real criatividade que o gênero poderia render.

Se fosse lançado há uns dez anos atrás talvez ainda teria algum impacto de originalidade, mas hoje acaba limitado ao risinho descompromissado de uma piada bem engendrada. Relativizar a figura do herói já foi visto até no megasucesso Os Incríveis. E por mais que alguns bons momentos aticem nosso entusiasmo, no fim das contas o maior vilão não é vencido pelo protagonista: a fatídica previsibilidade.

Dica de Música: "Be happy" (Mart'nália)

"Muita Calma Nessa Hora" subestima até seu público alvo

2010-12-17T07:08:00.000-08:00

E mais uma vez o cinema brasileiro fica tentando encontrar seu nicho de indústria. Isso não tem nada de ruim, apenas é artísticamente delicado. Muita Calma Nessa Hora vai nessa vertigem, em busca de um público específico (os adolescentes em férias de verão), com receita azeitada (comediantes tarimbados da TV).

Dirigido por Felipe Joffly, e escrita pelo comediante Bruno Mazzeo, junto com João Avelino eRosana Ferrão, a comédia é toda estruturada para agradar aos adolescentes que lotam os shoppings dos grandes centros. Contando a história de três amigas (Andréia Horta, Fernanda Souza e Giane Albertonni, que não incomodam e depois entra Débora Lamm, sempre muito a vontade, em um papel “bicho grilo” bem ingrato) que partem para um fim de semana em Búzios, dispostas a extravasarem suas frustrações pessoais, a trama evoca a força de seu elenco televisivo para transferir ao veículo cinematográfico a graça que são suas marcas, como Marcelo Adnet, Marcos Mion, Lucio Mauro Filho e até Sérgio Malandro.

Felipe pouco pode fazer com o “material bruto” que tinha em mãos, apesar do elenco até ser interessante (Andréia Horta, pelo visto tem dado mais sorte em seus papéis televisivos, tendo estado nos ótimos Alice, na HBO e A Cura, Globo). Mas é impossível não sentir uma sensação estranha ao ver esse trabalho e comparar com seu ótimo filme anterior, o contundente Odiquê, um dos melhores filmes sobre o universo jovem já produzidos.

Talvez o grande problema do filme seja mesmo o esquematismo com que vai desnivelando sua história, fazendo com que tudo soe banal e forçado. Mas do que confiar apenas no gênero e no carisma engessado de seus atores, o filme ainda subestima demais o seu público ao não dar uma coerência a seu próprio argumento, já que depois de meia hora de apresentação de personagens e conflitos (!!!), tudo vira uma secessão de galhofas humorísticas que não devem em nada aos programas de humor arcaicos que infestam nossa TV.

Mesmo com o sucesso que vem fazendo (rompeu a barreira do milhão de espectadores), há de se refletir sobre qual caminho o cinema brasileiro precisa trilhar para ser encarado como indústria, e não uma tentativa do mesmo.

Dica de Música: "Balada do amor inabalável" (Skank)

Aposentadoria alheia...

2010-12-01T16:35:00.000-08:00

Baseado numa grafic novel de Warren Ellis e Cully Hamner, o filme “Red – Aposentados e Perigosos” se propõe uma comédia (de ação?), mas mais parece um pastiche de um grupo de atores veteranos que se divertiram bastante nas filmagens. Só que diferente de outro exemplar do gênero “Onze homens e um segredo”, desta vez não fomos convidados a participar de tal diversão.

O filme começa com o agente da CIA aposentado Frank Moses (vivido com graça por Bruce Willis), que leva uma vida regrada e pacata, envolto em uma platônica relação com a atendente de seu INSS. Até que descobre (de forma bem barulhenta) que está sendo perseguido por um grupo armado. Daí ele resolve juntar seus ex-companheiros da CIA (todos aposentados) para resolver esse “contratempo”.

Dirigido pelo alemão Robert Schewentke (do tenso “Plano de Vôo”) “Red” se vale de seu elenco realmente bom para contar sua história, que no fim das contas é tão desprezível quanto a forma que os roteiristas escolheram para amarrá-las, Sabe quando o filme é cheio de viravoltas banais para esconder sua falta de estofo? E essa estratégia (de elenco) funciona para o filme ser mais “consumível”.

Morgan Freeman (sóbrio como sempre), John Malcovick (a melhor coisa do filme) e Hellen Mirren (elegantemente dissonante de tudo) dão um verdadeiro comprimido de placebo com suas mise-em-scénes tornando a narrativa interessante, ainda que sob aspectos puramente cênicos. A eterna “Weed” Mary-Louise Parker é outra que, apesar de um papel muito mal desenvolvido, brilha como a “mocinha” da história; assim como brilham as participações dos veteranos Richard Dreyfuss e Ernest Borgnine.

Se conta com a interessante presença antagônica de Karl Urban, fazendo praticamente o mesmo papel feito em “A Supremacia Bourne”, o filme se equivoca justamente no momento em que mais deveria levar-se a sério: o amparo de um bom roteiro. Acaba que ficamos apenas de testemunhas da "alegre" aposentadoria alheia.

Dica de Música: "Don't explain" (Nina Simone)

"Enterrado Vivo" e a sufocante política externa americana

2010-12-01T10:55:00.000-08:00

Numa perturbadora escuridão, um homem acorda e percebe estar preso dentro de um local com uma mordaça. Ao conseguir pegar um isqueiro dentro de seu bolso e com o oxigênio rarefeito, ele se desespera ao notar que se trata de um caixão enterrado. É assim que começa o mais do que tenso Enterrado Vivo, novo longa do espanhol Rodrigo Cortés, que abre seu filme salientando apenas o desespero de seu protagonista, sem nos mostrar as razões e os porquês. Paul Conroy (defendido com vivacidade inédita do galã Ryan Reynolds) é um motorista de caminhão, prestador de serviços do Iraque, que é atacado por um grupo terrorista e acaba sendo enterrado vivo, com apenas um isqueiro, um cantil e um celular, deixado propositalmente pelos terroristas.

O filme é integralmente passado dentro daquele caixão, mostrando a luta de Conroy para ser salvo, ou seja, a ação é pautada na oralidade de um celular. Mas não pensem que a narrativa enfraquece com isso. Cortés alinha sua trama de forma que o espectador tome o lugar de seu protagonista, e nisso o filme é simplesmente genial. Somos enterrados juntos com Conroy e a busca por sobrevivência passa a ser tão real que na sessão que assisti (para jornalistas) percebi muita gente pulando,literalmente, da cadeira. Mas o grande mérito deste filmaço é dimensionar seu até então absoluto plot para uma colérica crítica a até então desapercebida relação política dos EUA com sua força de trabalho secundária no Iraque. Não há nenhuma concessão nesse enfoque e o roteiro de Chris Sparling explora muito bem a dramaticidade dessa dicotomia.

Tecnicamente muito bem feito – a fotografia de Eduard Grau faz milagres dentro de suas desafiantes limitações -, Enterrado Vivo pulsa adrenalina, mas exala reflexão, resultando num contundente retrato da crueza de uma política externa nada globalizada. Um filme verdadeiramente de impacto. E sob uma obscura ótica espanhola.

Dica de Música: "Faust Arp" (Radiohead)

"Clandestinos" e seu interessante teto de vidro

2010-12-01T10:47:00.000-08:00

Histórias que retratem o caminho árduo de artistas em busca de uma oportunidade (ou apenas fama!) são muito comuns. De Fame (filme e série, do final da década de 70 e início de 80) à (de certa forma) Glee, todos retratam sempre uma superação, muitas vezes pessoais, tematizando com números musicais e afins. Isso explica a crescente onde de realities shows como American Idol, The X factor e Britain’s Got Talent.

O diretor teatral João Fonseca, ele próprio um protagonista dessa odisséia, uma vez que veio do nordeste para o Rio de Janeiro, no início da década de 90, com o mesmo fascínio “com o lado sul do país” em busca de uma carreira no teatro passando por seus percalços, resolveu colocar no teatro essa ilustração de uma forma um tanto democrática: criou a Cia Instável de Teatro, após uma longa seleção com atores desconhecidos de todo canto do país. Fez-se Clandestinos. A própria seleção foi insumo para o roteiro da peça, o que trouxe um grande volume de verdade a alegoria final da história. Trata-se de arquétipos muito bem construído de personagens comuns nesse universo sugerido. Tem a atriz gordinha, cansada de ser a coadjuvante da principal, tem o ex-modelo que luta para ser levado a sério, o diretor envolto com suas idiossincrasias artísticas, sendo debatido pela razão de sua produtora… São signos de uma metalinguagem anunciada que, na verdade, joga a luz sobre como cada história de vida ali exposta, fala um pouquinho de nosso país com suas contradições. E esta é uma espécie de fixação de Falcão: falar sobre contradições, como nos notórios espetáculos A dona da História e A máquina (ambos ganharam boas adaptações para o cinema). Clandestinos preserva a conhecida criatividade cênica do diretor, usando muito bem os espaços do palco e preenchendo assertivamente as marcações denotáveis. Amparado por um roteiro esperto, que aproveita bem o foco de sua narrativa, com piadas inteligentes e espaços oportunos para os atores mostrarem seus talentos, o espetáculo é muitíssimo agradável. Daqueles de sair do teatro bem melhor do que entrou. Nem lembramos que aquela história já foi contada tantas vezes. Mérito de João que, sabendo do potencial de seu argumento, soube brincar dentro de um terreno que conhece muito bem, como tema (uma quase biografia) e como gênero (a comédia, que permeia seus trabalhos).
Óbvio que esse sucesso todo ia acabar alcançando a TV. Eis que estreou mês passado a série “Clandestinos, O Sonho Começou”, também dirigido por João, com direção de núcleo do craque Guel Arraes. A atração global preservou a variação de linguagem, que a peça sugere, mas creio que quem assistiu o espetáculo perceba que na TV a história fica incomodamente engessada. Talvez esquematizar demais o “conto” de cada um dos quase 14 personagens da peça, tenha enfraquecido seu impacto. Mas ainda assim é um enredo forte, que pode ser mais bem explorado.

Se cada país tem o Glee que merece, nós até que estamos bem representados.

Dica de Música: "E depois" (Seu Jorge)

Os últimos dez anos de Woody Allen e sua paranóia criativa

2010-11-23T17:29:00.000-08:00

Dada a prolificidade de sua obra, o cineasta Woody Allen é sempre acusado de estar próximo ao declínio, ou crise criativa, ou até esgotamento crítico de seus filmes. Mas com a mesma perspicácia com que constrói os assertivos elementos cotidianos de seu universo, Woody comprova que sua mente é tão produtiva como inventiva, mesmo com sua auto demanda de colocar um filme por ano nas salas de cinema. E a prova disso é a (boa) seara de filmes que o diretor novaiorquino produziu na primeira década dos anos 2000.

2000: Trapaceiros

Allen começou a década num filme mais tímido em sua sagacidade crítica, mas inteirado nas bases do farsesco.

O filme conta a história de Ray Winkler (Woody Allen), um lavador de pratos e ex-presidiário. Um fracassado que sonha em fazer o maior roubo de sua vida. E sua oportunidade está ali, em sua própria cidade, à poucos quarteirões de sua casa. Em um banco, que fica atrás de uma pizzaria que está vazia, disponível para alugar. Hugh Grant parece feito para os filmes do diretor… E olha que a observação londrina só veio cinco anos depois…

2001: O Escorpião de Jade

C.W. Briggs (Woody Allen) é, segundo ele mesmo, o melhor investigador de seguros dos anos 40. Ele se orgulha de conseguir capturar qualquer trapaceiro entrando em sua mente e desvendando seus mistérios. Entretanto, desta vez Briggs tem um desafio diferente: precisa capturar um ladrão que utiliza poderes hipnóticos oriundos do Escorpião de Jade.

Filme de época em que Allen “homenageia” os clássicos filmes das décadas de 50 e 60, que se caracterizavam pelo embate de casais para discutir a sociedade. Mas nada é assim tão dogmático nas mãos de um diretor como ele, e o filme vira uma comédia absurda que não menospreza a capacidade do autor de zombar dos limites do ridículo.

2002: Dirigindo no Escuro

Dirigindo no Escuro gira em torno de um diretor de cinema que fez muito sucesso no passado, mas foi abandonado pelos grandes estúdios por causa de seu temperamento excêntrico. Até que a ex–esposa do mesmo consegue com que ele filme no estúdio do namorado dela. Para muitos, um longa metaforicamente autobiográfico, mas é também um roteiro que alfineta a própria Hollywood. A leveza da trama talvez soe inconsistente, porém, é notável o domínio do diretor sobre sua obra.

2003: Igual a Tudo na Vida

Um comediante judeu tímido e inseguro, que analisa os próprios sonhos com a ajuda de um terapeuta, vive sérios problemas conjugais com uma garota distraída e liberal, tendo como pano de fundo as maravilhosas paisagens das pontes e bosques do Central Park. Talvez o filme mais questionável da década analisada, mas essa espécie de tentativa de Allen em rejuvenescer a sua visão de mundo, sem descaracterizá-la, é melhor do que tentam dizer que é. Fora que Jason Biggs é um achado como a versão teen do diretor.

2004: Melinda e Melinda

Um trabalho que revela o quão lúcido o diretor ainda está. Ao narrar uma mesma trama sobre duas perspectiva (a comédia e o drama), Allen faz de seu filme um interessante exercício de linguagem e um meio de fazê-lo expurgar alguns sentimentos que por vezes travestem-se apenas de pontos-de-vista.

2005: Match Point

Chris (Jonathan Rhys-Meyers) é um ex-jogador de tênis profissional que se apaixona por Nola (Scarlett Johansson), uma bela mulher que namora seu amigo Tom (Matthew Goode), futuro cunhado de Chris. Um enredo que pende para o trágico, sob a via do alpinismo social tão clássico nas grandes literaturas européias. Um de seus melhores filmes de todos os tempos (se não, o melhor!).

É um Woody Allen denso, desmitificando a humanidade do indivíduo e jogando na cara do espectador que não existe acaso. Existe sorte. Talvez esse seja o seu roteiro mais completo, onde as dimensões que provoca são de extrema importância para o entendimento do discurso. Assim como no também ótimoInteriores, no qual foi um Bergman muito competente, aqui Allen elevou Dostoiévski ao patamar de um Nelson Rodrigues.

2006: Scoop – O Grande Furo

No barco que o transportaria para o além, o recém-falecido jornalista Joe Strombel (Ian McShane) recebe uma dica que pode ser um grande furo de reportagem (scoop, na Inglaterra). De posse dessa informação, ele dá um jeito de voltar ao mundo dos vivos e acidentalmente se depara com Sondra (Scarlett Johansson), uma estudante americana de jornalismo que está em Londres visitando amigos. Ele a encoraja a investigar o charmoso aristocrata Peter Lyman (Hugh Jackman), que pode ser o “Assassino do Tarô”, um serial killer que vem agindo na cidade. Nessa missão, Sondra contará com a ajuda de Sid Waterman, um mágico picareta interpretado por Woody Allen.

Até hoje não sei se esse é um filme incompreendido ou realmente fraco, mas algo aqui ficou meio esquisito e deslocado. Fica interessante a visão mais solar de uma até então cinzenta Inglaterra, ainda que isso venha com certa dose de mordacidade.

2007: O sonho de Cassandra

Para liberar o dinheiro aos irmãos, tio Howard exige que eles cometam um crime que o livrará da cadeia. Terry, apesar de extremamente endividado com agiotas, refuta a idéia dizendo que não é capaz. Já Ian, querendo manter o romance com uma atriz interesseira (Hayley Atwell), aceita a tarefa e tenta convencer o irmão de que eles devem fazer o serviço juntos.

Muitos o comparam – estruturalmente – a Match Point, mas o foco aqui, de uma forma geral, é na fatalidade dos extremos aliado às convenções familiares (mais parecido com a obra-prima de Sidney Lumet, Antes que o diabo saiba que você está morto). Colin Farrell e Ewan McGregor são dois irmãos que se antagonizam quando precisam fazer escolhas decisivas às suas vidas. Um filme seco e direto. Um Woody Allen vívido e sagaz.

2008: Vicky Cristina Barcelona

Vicky Cristina Barcelona acompanha duas amigas de férias na capital catalã. Vicky (Rebecca Hall) é centrada, prática. Cristina (Scarlett Johansson) é o oposto: impulsiva, meio-artista. Em Barcelona, no verão, as duas visitam os cartões postais da cidade e vagueiam pelas ruas ensolaradas. Numa noite, conhecem Juan Antonio (Javier Bardem), um pintor que teve um divórcio conturbado com a mulher, Maria Elena (Penélope Cruz), linda – e surtada.

Essa década é marcada pelo “cinema turístico” de Allen, que leva sua paranóia criativa para outros microcosmos que não a sua Nova York de sempre. Depois do ótimo trabalho em Londres, mira sua câmera para a Espanha e, mais do que incorporar Almodóvar (nas cores e na libido), Allen revela ao mundo que suas idiossincrasias encontram vazão em qualquer espaço. Certamente, está na galeria de seus melhores filmes e ainda consegue a façanha de dar a exuberante Penélope Cruz um delicado papel, fazendo-a transpor a caricatura e ainda ganhar um Oscar. Ufa…

2009: Tudo Pode Dar Certo

Boris Yellnikoff, separado, suicida frustrado, quase Prêmio Nobel de Física e professor de xadrez para crianças, nutre verdadeiro ódio pela humanidade. Sua vida muda, no entanto, quando conhece Melodie (Evan Rachel Wood), uma jovem loira e boba do sul dos Estados Unidos. Em sua inocência, a garota admira a “genialidade” de Boris e logo se apaixona. Não tarda para que os dois se casem, o que gera uma série de encontros e desencontros envolvendo os pais da menina e amigos de Boris.

Nesse filme, Woody retorna não só a sua NY natal como a um tipo de humor que fez o seu nome na História do cinema. Com Larry David como seu alterego, essa produção nada mais é que um exercício do autor em expor sua visão desencantada da vida, mas, de certa forma, encantada nos que habitam nela. É mais do mesmo, mas com enfoque diferenciado. Como a vida, ora…

2010: Você Vai Conhecer o Homem dos seus Sonhos

O novo filme de Allen coloca uma lente de aumento nas frustrações de seres que habitam um mesmo meio. São anseios que se misturam e se confundem, mas dizem muito sobre cada uma delas. Você Vai Conhecer o Homem de seus Sonhos parte do drama de uma senhora cujo marido a abondona após um casamento de 40 anos e vai mostrando que sua família (filha única e genro desempregado) não estão tão diferentes de sua crise doméstica.

Se na forma o filme revela um Woody Allen sem grandes novidades, no conceito, o autor é cada vez mais ácido ao nos expor à ridicularidade de nossos atos. Um filme com cara de simplório, mas de uma profundidade aterradora. E tudo feito com uma comicidade estratégica e adoravelmente leviana. Que venham os próximos 10 anos.

Dica de Música: "Flight Attendant" (Josh House)

Dois lançamentos que ditam os rumos da chamada MPB

2010-11-23T07:07:00.001-08:00

Dois lançamentos musicais apontam para os caminhos que a tradicional MPB anda trilhando em tempos de redefinições de modos, conceitos e formas de se fazer, ouvir e trabalhar a música, como um todo. O termo MPB nunca foi muito claro, mas popularmente ganhou uma significância que aponta os novos de CDs de Vanessa da Matta e Milton Nascimento como de um mesmo gênero.

Vanessa lança seu Bicicletas, Bolos e Outras Alegrias, o quinto de sua carreira, com a missão de estabelecer-se na seara das grandes cantoras e compositoras do país. Missão complexa, mas que ela esbarra com frequência, ainda que aqui e ali, resvale em alguma pretensão demasiada. Essa Boneca Tem Manual ainda é seu trabalho mais consistente, mas o novo CD é interessante em sua ênfase na melodia tropicalista, com letras de poética cotidianas e extremamente espirituosas. Apesar da horrorosa e apelativa (no sentido dramático) canção Te Amo, Vanessa demonstra bastante fôlego em músicas que vão da observação madura de Um Tal Casal até o lirismo pungente de Quando Amanhecer, sua parceria com Gilberto Gil. Mas é em músicas como Bolsa de Grife e Fiu Fiu (a melhor do CD) que a cantora justifica a atenção que seu nome desperta: inventivas e musicalmente ricas, são composições que dão vida a um repertório que dá um quê de vanguarda ao ideário pop a qual Vanessa faz parte.

Milton Nascimento é um cantor que sempre mostrou-se interessado em transgredir sua própria zona de conforto. E agora, com o lançamento de seu mais novo CD, E a Gente Sonhando, o cantor evoca suas referências iniciais para um trabalho que mira o futuro, até em sua concepção. Milton escalou 25 jovens músicos e compositores de Três Pontas, interior de Minas (parte deles ligado ao rock, parte ao Jazz), para que a sonoridade ilustre o que de novo tem nessa terra que gestou seu Clube da Esquina. E conseguiu. Arrisco dizer que E a Gente Sonhando é o melhor CD de MPB de 2010.

A energia jovial do grupo dialogou perfeitamente com o “barroquismo pop” do cantor, resultando num trabalho extremamente bem realizado. Da canção título, composta por Milton na década de 70 e nunca gravada por ele, que ecoa uma análise sobre o tempo; até às regravações belíssimas como a de Resposta do Tempo (imortalizada por Nana Caymmi), que ganhou uma curiosa densidade e Adivinha o quê, de Lulu Santos, revelando um Milton bem soltinho… Isso sem contar as composições novas, como a melancólica Amor do céu, Amor do mar, em que o cantor exorciza sua saudade da amiga Elis Regina, e Olhos do Mundo, de Heitor Branquinho, que vislumbra bem essa jovialidade que Milton busca, principalmente em versos como “Quem é capaz de fechar os olhos do mundo, Olhar para si?”.

Enfim, são 16 canções que desfilam numa mesma toada a perspectiva de um olhar com o expertise de um talento (com a voz ainda impecável) tão icônico quanto o de Nascimento.

Agora, quais são os rumos da MPB? Por esses lançamentos, percebe-se que passam pela observação do mundo a sua volta. Seja para se reciclar ou apenas para… transcender.

Dica de Música: o cd inteiro "E a gente sonhando" do Milton Nascimento

Perigo Real e Imediato

2010-11-21T18:52:00.000-08:00

Harry Potter cresceu. O indivíduo e o universo que o cerca cresceram. Mas esse amadurecimento conferiu um preço alto à sua existência. “Vivemos em tempos sombrios”, é a primeira frase que se diz, bem na abertura de Harry Potter e as Relíquias da Morte (parte 1), que vem a ser a primeira parte do último livro homônimo da franquia escrita pela britânica J. K. Rowling. E esta espécie de prólogo diz muito sobre o que veremos nas quase duas horas e meia seguintes. Todo o lirismo fantástico dos filmes anteriores é substituído pelo ímpeto quase Hamletiano, onde a morte (ou seu espectro) está por toda a parte, e Harry conjuga seu conflito entre a busca por uma resposta e o medo de ser o que é (ou quem é).

A trama se firma na iminência de uma guerra entre os que querem o poder supremo e os que precisam combatê-las pela sobrevivência. É o filme mais sanguinário da franquia, onde muitas mortes acontecem (uma em especial é de cortar o coração!) e a tensão é mantida a cada segundo, com perseguições – a crueza dessas cenas as tornam impecáveis técnica e emocionalmente – e boa dose de suspense. Voldemort conseguiu se apoderar do Ministério da Magia e de Hogwarts e, sepultando o legando de Dumbledore, inicia uma caça sagaz a Harry e a tudo o que seu passado representa. Dito isto, Harry precisa destruir a imortalidade de Voldemort, o que se mostra bem mais complexo quando ele conhece um esquecido conto sobre as tais “Relíquias da Morte”, três poderosos objetos do mundo dos mortos: a capa da invisibilidade, a pedra da ressurreição e a varinha de Sabugueiro, esta que Voldemort precisa para matar Harry.

Rowling é uma escritora inteligente: sacia seus milhares de leitores com um universo rico em significações e ainda sabe alinhavar muito bem os devaneios que a sua própria fantasia propõe. Aliás, algo que Stephenie Meyer, criadora do universo Crepúsculo, nunca resolveu bem em suas obras. Na sessão para jornalistas da qual assisti esse filme, percebi certa discussão entre os espectadores sobre comparações entre as duas franquias, mas não acho que se comparam. O universo de Harry Potter é muito mais rico em camadas de observação e até mesmo em metáforas da temida perda da inocência, tributo do qual temos que pagar quando viramos adultos. Em termos de comparação, guardadas as devidas proporções, a obra de Rowling resvala mais na grandiloqüência de O Senhor do Anéis, onde a relação com o poder é sempre a tônica de um discurso.

A trajetória do livro em filme é irregular, mas bem sucedida, principalmente por conseguir dar forma a um universo tão necessitado da imaginação lida – algo que filmes como A Bússula de Ouro eEragon não foram capazes de transgredir. Os primeiros filmes – Harry Potter e a Pedra Filosofal eHarry Potter e a Câmara Secreta – levaram a burocrática e reverente assinatura de Chris Columbus; o terceiro, Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban, dirigido por Alfonso Cuarón, foi o que mais evocou personalidade e considero o melhor de todos. Já O Cálice de Fogo de Mike Newell, destacou-se mais pela exacerbação da puberdade do elenco do que outras coisas. E, a partir do quinto e (para muitos) mais complicado livro da saga, a direção vem sendo feita pelo inglês David Yates, que vem com a expertise da TV britânica e uma certa subversão a forma (quase) clássica que a franquia vinha mantendo. Tanto que A Ordem da Fênix era quase clipada, com interessante referência documental (televisiva); logo em O Enigma do Príncipe, essa conjuntura resultou num filme mais emperrado a conceitos.

Mas todas essas experiências foram necessárias para que Yates chegasse a esse resultado final, uma vez que As Relíquias da Morte é seu filme mais perfeito: desde a trilha dramática e expressiva, até a impressionante fotografia galesa, passando por momentos de extrema sensibilidade, como a dança que Harry e Hermione (Daniel Radcliffe e Emma Watson, muito seguros em seus tradicionais papéis) fazem em meio ao caos que estão passando; a cena da mesma apagando a lembrança de sua família e até a nudez dos dois, num trecho marcado pela confusão instintiva de Ron (Rupert Grint, sempre hilário). São momentos do filmes notadamente marcados pela ousadia e, por que não, inventividade.

O grande mérito desta primeira parte final de Harry Potter nem é só o amadurecimento de sua própria história, mas também a forma como consegue diluir um tema tão pesado como a urgência da morte para gerações tão novas, o grande foco da bilheteria. É quase Bergman para baixinhos.

No fim, assustadoramente pessimista, ficamos com a mesma sensação de Harry, um sentimento de claustrofobia em que crescemos para desafios maiores. O filme, a priori, conseguiu superar esse desafio. Resta agora a movimentada segunda parte que, espero não repita o trauma de Matrix, onde oRevolution foi infinitamente inferior ao Reloaded. Mal posso esperar…

Obs: Preciso externar que nesta parte da franquia a química de Harry e Hermione só reforça o que eu sempre disse: os dois deveriam ser sim o casal central da história. Divago…

Dica de Música: "Teenager Dream" (sound Track GLEE)

"Tropa de Elite 2" é um serviço de utilidade pública!

2010-11-21T18:49:00.000-08:00

Contundência, seu nome é “Tropa de Elite 2”. A continuação de um dos filmes mais emblemáticos do cinema nacional consegue a façanha de ser ainda mais pertinente e dentro de uma lógica social real e inteiramente assimilável. Se o primeiro chocava pelo extremo (verossímil, é bom dizer!) de uma espécie de conceito do que é o Bope hoje no Brasil, esta continuação se impõe justamente por relativizar não só a (hoje) icônica figura do Capitão Nascimento como toda a corporação e o Estado nacional.

Com um roteiro seguro de Bráulio Mantovani, o filme passa-se 15 anos depois do primeiro e Nascimento não comanda mais a ação no campo. Ele agora é Tenente-Coronel do Bope e lidera os Caveiras, mas que fica faz o trabalho externo é o Capitão Matias (André Ramiro). Com uma perturbadora rebelião no presídio Bangu I, a Tropa entra em campo, mas tem que passar por cima dos ideais humanísticos de Fraga (Irandhir Santos, em grande destaque), ativista dos Direitos Humanos. Ali, além da urgência dos fatos, ainda emerge a iminência de dois pensamentos antagônicos: a lei do bandido bom é bandido morto do Bope versus o apurado senso de humanidade e respeito de Fraga. A tensão é física e intelectual. E isso só nos primeiros minutos do filme, que conta com participação assustadora de Seu Jorge.

Conforme o filme vai se desenvolvendo, vemos a complexidade dos poderes que sustentam um Estado, ilustrado pelo oportunismo de governadores, hipocrisia midiática e conivência eleitoral. Nascimento vira subsecretário de segurança do Rio de Janeiro e começa a perceber que seus inimigos podem ser mais domésticos do que ele imagina, principalmente com o crescimento da tal Milícia, corroborada por muitos policiais corruptos. O diretor José Padilha é de uma competência poucas vezes vista no cinema nacional, ao incorporar e transferir esse desencanto que seu protagonista sente para o espectador, que assiste a tudo com um misto de tensão e reflexão sobre a cidade, o país, o mundo que vive.

Wagner Moura é o corpo, o sangue e a alma do filme. Tenho dúvidas se sem a sua presença e organicidade o filme teria o impacto que tem. Cada reação vista na tela é de uma humanidade (até em momentos nada diplomáticos) precisa e sua personalidade suscita amor e ódio, puxando pela razão e pela emoção, tudo num mesmo instante. O desenho dramático de seu personagem é simplesmente perfeito. E de suma importância para compreendermos que nessa guerra social em que vivemos, não são heróis que trarão o galardão.

Muito tem se falado que o filme tem respingos referenciais no cinema político de Costa-Gravas, o que faz bastante sentido, uma vez que filmes nacionais até mais notadamente políticos como “Brasília 18%”, do veterano Nelson Pereira dos Santos, se perderam na condução e no foco de seus discursos. Mas o tom politizado de "Tropa 2" tem mais a ver com a própria realidade que ele retrata, e Mantovani soube atentar para isso de forma que o panfletário fosse subjugado ao reacionário. E até a cena conclusiva aponta (muito) para tal. Se no primeiro temos uma desconsertante (!) catarse (social?) com o extermínio de um algoz dramatúrgico, mas perfeitamente real, nessa continuação temos a contemplação, um tanto metafórica, do poder federal, desembocando na bandeira oficial da nação. O impacto, no fundo, dessa vez é pior... Bem pior. Pois o nó na garganta é institucional. Muito mais do que o famoso "que país é esse?", agora a pergunta é "o que é esse país?"

Dica de Música: "Brasil" (Gal Costa)

Nasce um provável gênio

2010-11-20T15:27:00.000-08:00

Não existe nada mais orgânico que uma relação autobiográfica sendo retratada no cinema. Eu Matei Minha Mãe é isso, a organicidade de uma relação passional entre um filho, Hubert (vivido por Xavier Dolan) e sua mãe, Chantale (Anne Dorval, ótima). Produção canadense dirigida pelo próprio Xavier, de tintas fortemente autobiográficas, o filme acompanha o cotidiano dessa difícil relação de um filho em confronto com sua mãe, dada as discrepâncias de visão de mundo, e principalmente, de gerações. Algo que se agrava ainda mais quando Chantale descobre que o filho é homossexual.

Xavier Dolan escreveu a trama quando tinha apenas 16 anos e dirigiu a produção aos 19. Sua precocidade é ainda mais impressionante pela forma como estabelece essa relação. Embora se valha de estilismos típicos de “primeiro filme” (o que apenas reforça a grandeza de sua estética), Dolan demonstra uma interessante maturidade ao paralelizar os extremos de cada razão de seus personagens. Não é um filme “revoltadinho”, como bandeira de uma geração pós-moderna que se vê incompreendida, discurso do qual poderia facilmente usar. Mas ele é mais inteligente que seus paradigmas, e faz um filme humano e versando mais sobre a falta de comunicação que se pode haver em qualquer seio familiar. É a subjetividade da figura “perfeita” da mãe versus a relativização dos anseios de um filho.

Dolan, que já está em seu terceiro longa (Amores Imaginários, que fez bonito no último Festival do Rio), prova que além de um ator de fartos recursos, é um cineasta muito interessado em dimensões. Dimensões humanas, geracionais e críticas. Não sei se Eu Matei Minha Mãe terá a mesma perenidade (histórica?) de um Acossado da vida, que sugou e expurgou a juventude de umGodard ainda muito interessante, mas não dá para não notar que Xavier ainda fará muito barulho. Welcome…

Dica de Música: "Relax, take it easy" (Mika)

Falta verdade na ficção de "Federal"

2010-11-19T08:59:00.000-08:00

Apesar de ter sido produzido antes do primeiro “Tropa de Elite” (para você ver como é difícil fazer cinema nesse país!), o lançamento de “Federal” acabou por ficar à sombra da continuação arrasadora do mesmo. “Federal”, primeiro longa de ficção do documentarista Erik de Castro, assim como seu “primo rico” acompanha as atividades da Polícia Federal em Brasília. Tudo sob o julgo de intrigas e corrupção, tendo na figura do delegado Vital (Carlos Alberto Ricceli) seu ponto de conexão na história. Para desarticular uma quadrilha de tráfico de drogas muito bem amparada no poder brasiliense, ele monta uma equipe de federais formados por Daniel (Selton Mello), Rocha (Cristovam Netto) e Lua (Cesário Augusto).
Explorando uma fotografia obscura e granulada de Brasília, Erik procura destrinchar a conexão entre o tráfico de drogas e as camadas sociais tidas como incorruptíveis como as ONGs, o Congresso Nacional e até as organizações religiosas, mas o roteiro fica indeciso entre a pretendida contundência dessa co-relação e o viés hollywoodiano que seu gênero suscita. O roteiro acaba ficando sem personalidade, não compactando seus personagens e deixando furos ao longo da projeção. Isso sem contar a caricatura inexplicável de seu vilão, vivido por Eduardo Dussek, o desempenho deslocado de Selton Mello e o desperdício de Michael Madsen, num personagem mal delineado.
Por mais que se tenha boa vontade com o filme, é gritante que, com o nível que o cinema brasileiro vem atingindo nos últimos anos, sua realização foi, desde a concepção, primária em aspectos vitais para compreensão de seu (até interessante) discurso. Em alguns (poucos) momentos Erik demonstra personalidade, mas no geral, ele nos dá a entender que seu manejo de documentarista ainda não compreendeu as complexidades de uma boa ficção.

Dica de Música: "A queda" (Lobão)

O sol que ilumina a diretora Eliane Caffé

2010-11-19T07:24:00.000-08:00

A diretora Eliane Caffé continua com sua forte marca autoral de fazer um cinema barroco, contextualizando um meio e um indivíduo numa dramaturgia bem pessoal. Seis anos após o premiado “Narradores de Javé”, ela volta com seu novo longa “O sol do meio dia” que acompanha a relação de dois desconhecidos sobre os grotões da região ribeirinha do Pará (região muito explorado pelo cinema nacional ultimamente). Chico Diaz e Luiz Carlos Vasconcelos dão vida a, respectivamente, Matuim e Artur. Enquanto o primeiro se enquadra no arquétipo do anti-herói que tem de fugir de Belém por causa de dívidas contraídas por seu falecido pai, o outro, que acaba de sair da cadeia por ter supostamente matado a esposa, mostra-se como um homem silencioso carregado pela culpa e pela abstração.
Caffé nivela a construção e desconstrução dessa relação ao longo do filme, que potencializa a máxima instintiva quando entra em cena a figura de uma mulher que, claro, vira um vértice de um triângulo amoroso.
“O sol do meio dia” talvez seja o filme mais consistente da diretora. E não dá para não observar o seu êxito em lapidar uma trama muito mais alicerçada nas motivações emocionais de seus personagens do que na ação. Mesmo que o roteiro não avance (em termos dramatúrgicos), a direção está sempre ali para manter o filme dentro da pertinência de sua história.

Dica de Música: "Quando amanhecer" (Vanessa da Matta e Gilberto Gil)

Scott Pilgrim salva o cinema do tédio...

2010-11-19T06:51:00.000-08:00

Num mundo ditado pela convergência, nada mais pertinente do que o cinema acompanhar essa vertente seja pela estética, seja pelo próprio conceito. “Scott Pilgrim contra o Mundo” leva essa máxima à perfeição, se firmado como a melhor adaptação de um videogame que não existiu previamente como jogo. Trata-se de uma Hq. O diretor Edgar Wright conseguiu cristalizar com perfeição essa conjuntura, trazendo todos os códigos visuais dessas duas mídias (HQs e games) tão idiossincráticas. Scott (vivido por Michael Cera, especialista nesse tipo de papel) se apaixona por Ramona, mas para efetivar uma relação precisa enfrentar todos os seus ex-namorad0s. Daí somos jogados a uma sucessão de gags visuais e muito divertidas, que procura o tempo inteiro delimitar e interagir às possibilidades desses veículos resultando num filme vívido e deliciosamente original.
Apesar de todo o deslumbramento visual do filme, Wright consegue evocar perfeitamente as novas configurações de uma juventude tão sintonizada com os meios e mensagens de sua era. Saber dialogar nesses contextos é algo de suma importância para que o filme não se torne apenas um estilismo nerd. Tanto que o filme agrada a diversos públicos de formas diversificadas. Não compreendi o fracasso total de bilheteria nos EUA, algo que prejudicou sua exibição até aqui no Brasil (no Rio ainda não entrou em cartaz e pelo visto nem virá, restringindo-se a SP). Talvez tenha sido mal lançado, pois o filme é uma das coisas mais entusiasmantes que o cinema americano apresentou nos últimos anos. E o engraçado é que em meio a infantilização do cinema em geral, uma superprodução baseado em quadrinhos seja o último ranço de originalidade do cinemão.

Dica de Música: "Song 2" (Blur)

"Gente Grande" é um dos piores filmes já feitos

2010-11-05T11:21:00.000-07:00

Como jornalista, procuro ver de tudo. Até mesmo para apurar o possível conhecimento de causa ao avaliar um determinado filme. Já encarei sessões até de filmes da Xuxa e de Steve Seagal (!!). Em compensação, expurgo toda a minha impaciência nas letras, quando um filme “me prende” cerca de duas horas numa sala de cinema e não tem dignidade para tal. Ossos do ofício.
Gente Grande entra (inteiramente) nessa categoria: é simplesmente um dos piores filmes que Hollywood já nos vomitou. A nova comédia de Adam Sandler (que, inacreditavelmente também produz) conta a história de um grupo de amigos de infância que foram campeões do time de basquete do colégio. Trinta anos depois eles se reencontram no funeral do treinador do time e resolvem se reunir em um final de semana para homenagear o tal treinador.
Primeiro que a premissa, que foca no reencontro de vidas, já rendeu filmes antológicos, tanto na Europa, quanto nos EUA. E não só travestido de drama, mas em quase todos os gêneros – o canadense O declínio do Império Americano é uma bem construída comédia dramática. Mas o filme não tem roteiro. É isso, o filme é narrado de forma forçadamente episódica e sua narrativa inexiste. Não há trama, enredo, apenas a idéia inicial e uma sucessão de “esquetes” requentadas dos mais batidos clichês da comédia americana: idosa tarada, gorda que solta peidos exageradamente sonoros, um personagem que sempre sofre agressões etc, etc…
Interpretados pelo próprio Sandler (no automático, como sempre), com Chris Rock (num tolo personagem que se propõe a discutir o papel do macho na família moderna), Kevin James (destacado para sempre cair em cena e galgar gargalhadas), David Spade (o único ali que parece estar achando tudo uma grande merda) e o sempre surreal Rob Schneider (que, juro, com esse filme chega a dar saudade de Gigolô Americano de tão ruim). Fora que tem uma incompreendida participação de Salma Hayek . Meu Deus, depois que teve filho ela perdeu o juízo?
O “filme” até começa uma premissa de revanche de um tal jogo de basquete do passado, mas é nítido que o roteirista esqueceu o gancho e nos empurra uma solução idiotizada, com direito a lição de moral no final.
Eu gostaria muito de saber como um ator lê uma porcaria dessas e aceita produzir. E mais, como alguém pode ir assistir isso? Pois é, “resenhistas” sofrem…

Dica de Música: "Love the way you lie" (Eminem feat Rihanna)

A acomodação de Jennifer Aniston

2010-11-05T11:18:00.000-07:00

Pobre Jennifer Aniston. Já carrega consigo o paradigma de mulher traída do showbizz hollywoodiano, e ainda quer insistir em uma autoromantização à la Meg Ryan, atuando em sucessivas comédias românticas, que pouco acrescentam a sua carreira.
Em seu novo filme, Coincidências do Amor, que eu não sei se a tradução brasileira é mesmo banal ou irônica, fica nítido que a sua falta de faro acaba virando contra si. Kassie (Aniston) resolve ter seu primeiro filho por inseminação e avisa ao eterno amigo Wally que não aceita bem a situação. Como Kassie mostra-se disposta a procurar um homem que doe seu esperma, Wally fica perturbado com o fato de, já não tê-la conquistado como mulher, ainda ter de aturar a “presença” de outro homem no jogo. Num desses absurdos que povoam a cabeça dos roteiristas, Kassie encontra um doador e, através de uma técnica primitiva, faz uma festa-ritual em sua casa no dia da “coletagem”. Wally, bêbado, encontra o potinho e joga fora o “conteúdo”, colocando o seu sêmen no lugar. E aí o filme se desenrola.
Jason Bateman, que vive Wally, é uma das melhores coisas do filme, trazendo humanidade ao absurdo das situações de seu personagem. Bateman está se especializando em dar credibilidade cênica às produções que participa. Sua performance em Juno acabou por ser o contraponto ideal àquela verborragia teen que tanto marcou o filme de Jason Reitman.
O elenco do filme em si é muito bom, sendo coadjuvado por uma serelepe Juliette Lewis (que faz falta ao cinema americano), Jeff Goldblun, Patrick Wilson e Thomas Robinson, uma daquelas crianças com nuances de adulto.
O roteiro de Allan Loeb (do recente Wall Street 2) procura traçar um simplório panorama dos desencontros amorosos na vida urbana, claro, personificado por New York; mas o faz de forma muito primária, abusando do sentimentalismo. Um exemplo disso é a metáfora que faz dos porta-retratos, como signo do desejo por uma família. Previsível é pouco…
Talvez pelo elenco coadjuvante (e sua duração ligeira), o filme consegue deixar até um saldo mediano. Mas Jennifer Aniston - que parece sempre evocar sua persona de Friends, até nas gags de humor – e sua apatia ajudam para que o resultado final seja tolinho, tolinho…

Dica de Música: "A cura" (Lulu Santos)

Festival do Rio: "Lope" é um épico de DNA brasileiro

2010-10-27T13:08:00.000-07:00

Programado para encerrar o Festival do Rio 2010, o filme Lope de Andrucha Waddington tem muito a ver com a representatividade do próprio Festival. Lope é uma superprodução multinacional (tem grana daqui, da Espanha e de outros países) que, assim como o Festival do Rio, comprova a penetração do país na cinematografia mundial.
O filme privilegia o período da vida do poeta e dramaturgo Félix Lope de Vega (1562-1635), em fins do século XVI, em que ele retorna da guerra e tentar ganhar a vida escrevendo comédias em Madri, que vivia a efervescência teatral nas rodas sociais. Boêmio e romântico, Lope acaba enredado em intrigas ao se envolver com a filha do dono do teatro para o qual consegue escrever. Waddington, que vinha de filmes de forte carga dramática como o belo Casa de Areia, mostra muita competência ao manejar os códigos técnicos dos grandes épicos americanos, na qual o filme se ancora, auxiliado por uma fotografia exuberante e trilha catártica. Diria que na forma busca essa referências, mas no conceito é claramente influênciado pela literatura européia, indo de Moliére a Shakespeare.
O ator espanhol Alberto Ammann – presente na Sessão de Gala a qual assisti, assim como sua parceira de cena, a também espanhola Pilar López de Ayala -, tem o carisma preciso para o papel, que oscila entre a densidade e o humor, perfeitamente. Sônia Braga, notadamente envelhecida, tem participação ligeira e Selton Melo vive um marquês aristocrata com a correção de sempre (de sempre, mesmo!).
Se na razão, ou seja, na técnica, o diretor é eficaz, saindo-se bem na complexidade de uma superprodução desse porte; na emoção, ou melhor, na implementação estético-narrativa, Andrucha mostra-se tímido, apenas cumprindo a cartilha do gênero. Seria o brilho da criatura ascendendo sobre o criador?

Dica de Música: "Burn it blue" (Caetano Veloso e Lila Downs)

Comer Rezar Amar: Uma auto-ajuda estilizada

2010-10-27T13:04:00.000-07:00

Comer Rezar Amar, novo filme de Julia Roberts dirigido por Ryan Murphy, fica na linha tênue entre o edificante e o didático. Mas, talvez por se protegido pela pecha de autobiográfico, a trama desce redondo em nossa consciência, principalmente para aqueles que já passaram por uma auto análise durante a conflitante casa dos 20 a 30 anos.
Versão para o cinema do best-seller homônimo da escritora americana Elizabeth Gilbert, o filme acompanha Liz, que transcende as neuroses femininas de sua vida, chegando à conclusão de não era o que queria, nem o seu ideal de felicidade. Joga (dolorosamente) para o alto um casamento estabilizado e, posteriormente, uma relação que precocemente passava pela transição da paixão avassaladora para a acomodação de algo que poderia ser amor. Ou não.
Liz embarca então para uma viagem em busca desse preenchimento do vazio existencial que a vinha afligindo. Destino: Itália (comer), Índia (rezar) e Indonésia (amar). A primeira parada é pela belíssima arquitetura de Roma, permeado pela culinária de encher os olhos… do estômago; é melhor parte do filme. Em todos os sentidos. Julia parece feita perfeitamente para o papel ao ilustrar com seu inconfundível sorriso esse primeiro período da personagem que se dá nesse tempo para não fazer nada, só curtir o que a Itália tem a lhe oferecer: boa comida, tradição e certo charme descompromissado, sintetizado num melancólico jantar na casa da família de um amigo romano, onde Liz olha para si, em meio àquele banquete de estabilidade familiar, e consente que está no caminho certo.
A segunda parada é a mais fraca. A Índia representa para Liz a busca pela espiritualidade e o equilíbrio, mas o roteiro força muito a barra na tematização disso. Mesmo com a participação de Richard Jenkins, que consegue catapultar qualquer maneirismo que suas falas insistam em impor, é evidente que a narrativa torna-se muito cansativa nesse período de iluminação espiritual da protagonista, como se o diretor não conseguisse estabelecer o mesmo equilíbrio (narrativo) que Liz almeja na trama.
A parte final, quando desembarca em Bali e se apaixona por um brasileiro (Javier Barden, se esforçando…) é bem bonitinha, mas peca pela previsibilidade, com direito ao fechamentol clássico de hesitação inicial para um final feliz.
Ryan Murphy, que faz um excelente trabalho na TV americana com séries como (a ótima) NIP TUCK e o fenômeno GLEE, tem um desempenho dúbio em sua direção: domina bem a engenharia, mas vacila na sedimentação narrativa – algo já reparado em seu primeiro filme, o semiótico Correndo com tesouras. Preocupado em manter a estrurura da literária, Murphy deixou seu filme um tanto cansativo, a ponto de, no final, o resultado prático das transformações pela qual Liz passou ser, praticamente, inóspito ao espectador.
Comer Rezar Amar vale mesmo pela quase sessão de análise que propõe em suas quase duas horas de duração. É aí que está a sua redenção, pois mesmo quando se torna chato, você provavelmente vai estar envolto com pensamentos sobre “o rumo que a sua vida tomou, no trabalho e no amor”, como diria Lulu Santos.
Dica de Música: "Vilarejo" (Marisa Monte)

"The American" e a tese da melancolia

2010-10-27T13:00:00.000-07:00

O cinema contemporâneo nos dá a ligeira impressão de que precisa incessantemente se justificar pelo ideal da reciclagem. E quem vos fala isso não é um “resenhista” da terceira idade, mas que ainda nem passou da barreira dos 25 anos.
The American (que na “criativa” versão brasileira se chamará Um Homem Misterioso) é uma das provas desta divagação. Protagonizado (com sua comumente elegância cênica) por George Clooney, o filme é baseado no livro A Very Private Gentleman, de Martin Blooth, e acompanha a obscura história de um matador profissional que busca a aposentadoria, devido ao esgotamento emocional do trabalho, em um último serviço, na região montanhosa de Abruzzo, na Itália.
O argumento é batido, mas a direção de Anton Corbijn (Control) procura imprimir uma personalidade ao tema, com muita câmera parada, uso de fotografia barroca e predileção pelo subtexto. A reinvenção do gênero aqui acaba por tolir a vivacidade do filme. Não que a nossa geração “Bourne” não esteja apta a absorver esse tipo de maneirismo, afinal, temos nossa representação geracional no talento silencioso de Sofia Coppolla. O problema é que nesta busca por um novo olhar sobre o velho, o filme exprime pouco do que poderia ser, resultando num longa de (muitos) bons momentos, mas de pouca vivacidade cinematográfica. Está longe de ser ruim, mas a sensação é de que não algo não engrenou.
Clooney aproveita a placidez com que o diretor leva o filme e constrói seu matador um tanto kafkaniano. Mereceria uma indicação ao Oscar pela inteligência com que se vale de seu silêncio. O diretor tenta equilibrar algumas boas cenas de perseguição com certa introspecção narrativa e mesmo conseguindo um clímax final honroso, é indisfarçável que o seu maior êxito foi ter conseguido transferir o viés lacônico de seu protagonista para todo o filme.
Taí, a contemporaneidade, mirando a constante renovação, por vezes, acaba atingindo a melancolia.
Dica de Música: "Condicional" (Los Hermanos)

É maduro, é humano, é Sofia Coppolla...

2010-10-27T12:54:00.000-07:00

Einstein não era só um gênio, era também um sábio quando dizia “…deixo de pensar, mergulho em profundo silêncio e eis que a verdade se me revela”.
Foi nessa frase (antológica) que pensei assim que acabou – de forma um tanto exprimível – a sessão do filmaço Somewhere (Em algum lugar, em boa tradução brazuca) de Sofia Coppolla, num dos últimos dias do Festival do Rio, no tradicional cinema Odeon inteiramente lotado.
Costumo dizer que Sofia maneja com perfeição seus filmes a darem forma(s) a um estado de espírito. Essa máxima só se aprimora a cada novo filme que lança. Somewhere guarda semelhanças discursivas em relação ao primeiro grande sucesso da diretora, Encontros e Desencontros (2003), contando, sob a reflexiva ótica da inadequação, as desventuras cotidianas de um ator (Stephen Dorff, perfeito e ressurgindo das cinzas) em seu mundo que conjuga glamour e vazio no mesmo verbo viver.
Respingando em tintas autobiográficas pela sua condição de filha de um dos diretores mais incensados do mundo, Francis Ford Coppolla, ou seja, conhecedora da rotina do mainstream hollywoodiano, Sofia vai destilando ironia ao estabelecer a apatia personalista de seu protagonista no circo midiático que a própria indústria alimenta – o que não deixa de ser curioso, uma vez que a própria cineasta vive nessa linha tênue entre a badalação de seu nome e o intimismo de seus filmes. Aliás, nesse filme ela amadurece o uso de metáforas e vai compondo cada cena com muitos signos representativos, seja no olhar “de ressaca” de Dorff diante de um show de pole dance de duas strippers; seja nos círculos que o mesmo dá em seu carro, completamente a ermo, em alta velocidade, no início do filme.
Sofia está interessada em expor o seu personagem de dentro para fora, para que o espectador não só entenda como compreenda que aquela inadequação não é apenas pontual, mas sim representativa da possível falta de um sentido para a vida. E isso é arregimentado com a chegada de sua filha, de um relacionamento passado, que passa um período com ele: a (des)construção de uma intimidade entre pai e filha chega a ser comovente, não pelos clichês, que o filme foge eficientemente, mas pela forma como isso é mostrado na tela.
A câmera de Coppolla é espertamente discreta, o que resulta num filme íntimo, mas com distanciamento exato para que as imagens falem por si. A cineasta comprova mais uma vez a sua marca como diretora, que remete muito ao que se vê no chamado “cinema de arte europeu”. Mas cá entre nós, ela consegue dar voz ao silêncio de forma muito mais objetiva que um Antonioni da vida… E nessa “subjetividade objetiva”, quase que parafraseando o mestre Fellini, Sofia Coppola consegue injetar mais do que verdade em seu filme; ela injeta humanidade em todas as arestas de sua ficção.

Dica de Música: "Playground of love" (Air)

O êxito do cinema social

2010-10-27T12:51:00.000-07:00

Bróder tinha tudo para ser mais um daqueles filmes do chamado “favela movie” que tem infestado o mercado nacional, desde o estouro com o êxito definitivo de Cidade de Deus, de Fernando Meireles. Confesso até que fui assisti-lo na sessão hour-concours do Festival do Rio, com certa preguiça, mas me surpreendi com a contundência conseguida pelo o estreante em longas-metragens Jeferson De.

O filme acompanha um dia na vida de três amigos de realidades de vida distintas, que se encontram na região do Capão Redondo, zona sul de São Paulo, onde nasceram e cresceram. O ator Caio Blat, em interpretação carnívora, dá vida a Macu, que mora com a mãe Sônia (Cássia Kiss, sempre muito competente), comemora 23 anos e recebe a visita de dois amigos de infância, o bem sucedido e milionário jogador de futebol Jaiminho (Jonathan Haagensen), ainda muito ligado às sua raízes de periferia e na iminência de ser escalado para seleção brasileira, e o pai de família Pibe (Sílvio Guindane), que apesar de levar uma vida muito difícil, não mora mais na região.

A trama se concentra nesse encontro, num mesmo dia, que acontece entre os três. E é preciso de apenas um dia para que se configure as diferentes personalidades e posicionamentos de vida de cada um deles. Macu é o pilar do conflito que emerge nesta inter-relação por se complicar num dilema em que polariza a importância dessa amizade com os ditames do crime. Jaiminho se posiciona como a emoção instintiva das consequências desta sua visita ao lugar de origem, e Pibe é o suporte racional do encontro.

De, que também é o roteirista do longa, se vale desta batida perspectiva para realçar as incongruências sociais que gravitam num universo tão marginalizado como o Capão Redondo, que vira uma espécie de metáfora regional de todo o gueto periférico do país. Mas o grande acerto de De está na relativização que ele faz do tema. Não há espaço para glamourização ou tematização. Sua direção evoca uma base de crônica cotidiana de um universo, trazendo assim bastante credibilidade à história contada. Com meia hora de filme, já estamos inseridos até nos dilemas éticos de cada personagem. A narrativa trafega por esse mérito inteligentemente deixando para o expectador a primazia do julgamento.

Bróder vem sendo muito premiado em sua carreira pré-lançamento. De Gramado a Berlim, todos são unânimes em exaltar a propriedade com que o filme estabelece seu discurso. O cineasta Jeferson De é conhecido pela sua politização na luta pela representação do negro no cinema nacional; e com esse seu filme de estreia – e até por ter dado o protagonista de seu filme, a priori concebido para um ator negro, ao ator Caio Blat, provando que seu discurso está acima de cartilhas étnicas – ele prova que existe consistência por trás de qualquer ranço panfletário.

Dica de Música: "Mais que nada" (Sérgio Mendes)

Faltam razões a "Boca do Lixo"

2010-10-12T16:15:00.000-07:00

Existem filmes que são salvos pela atuação de seu protagonista. O filme pode ser cheio de defeitos, mas a figura de um determinado ator ou atriz pode ter o poder de hipnotizar o expectador com sua bem construídamise-en-scène. É o caso do filme Boca do Lixo, de Flávio Frederico, que procura retratar a região paulista marcada pela prostituição e o tráfico de drogas nos anos 50 e 60 sob a ótica do maior e mais famoso traficante da região, Heroito de Moraes Joanides.

Tecnicamente impecável – a premiada fotografia e a difícil montagem são muito bem feitas – Boca do lixo é extremamente equivocado na construção dramática de sua história. Trata-se de um roteiro anêmico e superficial, que prefere ser fatídico onde deveria ser, pelo menos, narrativo. Se propondo uma cinebiografia, o filme não justifica o presente, superficializando o passado e segue pelo futuro de seu biografado, deixando o espectador desprovido de qualquer base de entendimento das motivações daquele homem que entra para o crime “apenas por gostar de estar com as mulheres da prostituição”.

Daniel de Oliveira é a melhor coisa do filme, compondo um Heroito assustadoramente verossímil e entregando-se em cenas antológicas como a em que sofre uma overdose violentíssima dentro de um carro. Cada extremo que o ator externa já faz valer toda a fraqueza conceitual do filme. Hermila Guedes (o sol da aridez de O céu de Suely) também destaca-se no longa, confirmando o seu extremo talento e seu rosto incrivelmente cinematográfico – luxo estético que poucas atrizes possuem, como Bridget Bardot e Eva Green.

O diretor Flávio Frederico cercou-se de um bom aparato para a realização de seu projeto, tanto que ganhou os principais prêmios técnicos do Festival do Rio, mas fica impossível não notar a instabilidadedramatúrgica que Boca do Lixo expõe. Nos poucos momentos em que a aparição de Daniel é banal, o filme infelizmente mostra o que realmente é.

Dica de Música: "Demais" (Verônica Sabino)

"Como esquecer" é literatura russa

2010-10-12T16:07:00.000-07:00

Um filme sobre a dor da perda. É assim que o filme Como esquecer, de Malu de Martino pode ser sintetizado. Seguindo a costumeira vertente de nosso cinema, também é baseado em um livro, Como esquecer – Anotações quase inglesas, de Myrian Campello, e narra o drama de Julia, uma professora universitária (uma Ana Paula Arósio totalmente desglamourizada) que tenta se recuperar de uma eloquente separação, que a deixa em estágio de desespero e opressiva reclusão.

Malu reforça bem esse nebuloso sentimento que vai corroendo a vida da personagem, em planos claustrofóbicos e homeopáticos flashbacks que exprimem muito mais do que mostram. A direção procura ilustrar essa obscuridade quase que integralmente no filme, tornando o longa excessivamente pesado e denso. Ainda que, por vezes, resvale num “descanso cômico” na figura do ator Murilo Rosa, que interpreta o amigo íntimo de Julia, e naturalmente o seu contraponto, que procura o tempo inteiro fazê-la voltar a vida, assim como Lisa (Natália Lage), que também sofre um grande revés da vida, mas procura encarar o dilema de forma mais expansiva. Os três acabam indo morar juntos numa região remota do Rio e vivenciam formas distintas de seus dramas pessoais.

Emoldurado por uma fotografia fria e soturna, o filme encontra seu ponto alto nos diálogos travados entre cada integrante desse grande conjunto de sobreviventes emocionais de suas próprias vidas. Como Julia é professora de literatura inglesa, suas digressões sobre os paralelos entre a obra de Virgínia Wolf (e suas contemporâneas literárias) e a vida são bem consistentes e trazem boas metáforas para o caminho que a história vai tomando, principalmente com a chegada da personagem de Arieta Corrêa (num de seus melhores desempenhos) que passa a ser um norte na obtusidade em que a vida de Julia se encontra.

Mesmo sendo um belo filme, e de certa forma, um perturbador retrato do luto autoimposto de um término de relação, a diretora pesa a mão demais, acabando que o longa sufoca em seu próprio dilema, tornando-se excessivamente pesaroso. Sabe a literatura russa? Genial em muitos aspectos, mas excessivamente opressiva. É assim que o filme se insere, e é por aí que o filme não rompe a barreira do correto, sem ser extraordinário.

Dica de Música: "Feels like the first time" (Corinne Bailey Rae)

A delicadeza de "Malu de bicicleta"

2010-10-12T15:41:00.000-07:00

Uma espécie de Dom Casmurro contemporâneo, o filme Malu de Bicicleta de Flávio Tambellini é uma grata surpresa na apática seara dos filmes brasileiros que versam sobre relacionamentos – não necessariamente comédias românticas. Baseado no livro homônimo de Marcelo Rubens Paiva, o filme conta a história de um empresário paulista (Marcelo Serrado) que é atropelado por uma mulher (Fernanda de Freitas, graciosa) na orla carioca e se apaixona perdidamente. Tambellini constrói seu filme com leveza, dando bastante insumos para uma identificação com seus personagens. O roteiro é espirituoso e tem boas sacadas, dando um novo caminho ao batido conflito do ciúme em uma relação estável que culmina num final um tanto melancólico.

Depois do fraco Passageiro – segredo de adulto, Tambellini exibe maturidade em sua nova produção, principalmente por conseguir estabelecer uma crônica das relações amorosas desprovida de pretensões ou de “filosofismos”; apenas disposto a contar uma história prosaica que capta bem a sagacidade de Rubens Paiva em ilustrar a passionalidade do homem diante de uma situação de paixão extrema.

Esse é um gênero que rende caminhões de dólares lá fora, mas que aqui não conseguiu se estabelecer muito pela falta de habilidade em dialogar com o mesmo. Apenas os filmes de Sandra Werneck (como o ótimoPequeno Dicionário Amoroso e o notável Amores Possíveis) conseguiram alguma repercussão positiva, ao contrário de bombas como Mais uma vez amor, de Rosane Svartmann – que ainda nos deve um filme decente, mas dizem que seu próximo filme Desenrola, vem pagar essa dívida – e Dom, deMoacyr Góes (um horror).

Da seleção competitiva de filmes da Premiere do Festival do Rio, Malu de Bicicleta foi, sem dúvida, um dos filmes mais sinceros e agradáveis, mesmo sendo apenas correto de uma forma geral. Se bem que no cenário atual de nosso cinema, onde a grande maioria se divide entre a apatia e o excesso de pretensão, o filme de Tambellini é um achado.

Dica de Música: "Minha flor, Meu bêbe" (Cazuza)

Nada além dos paetês...

2010-10-12T15:14:00.000-07:00

Toda a vez que o cinema brasileiro (recente) ambiciona retratar uma relação humana mais complexa, sempre esbarra na falta de consistência de sua pretensão. Foi assim no polêmico (!) Do começo ao fim, deAloízio Abranches que prometia muito com um argumento delicadíssimo onde dois irmãos se relacionam sexual e emocionalmente, levantando uma possível discussão tanto sobre o homossexualismo quanto sobre o incesto. Mas eis que o resultado termina em uma história rasa de discussões, onde o conflito inexiste num universo que precisa de justificativas pelo menos à uma reflexão.

Elvis e Madona, estreia na direção de longas de Marcelo Lattiffe, sofre desta mesma síndrome: retrata a inusitada relação de um travesti e uma lésbica, mas é desamparado por um roteiro que não dimensiona às possibilidades e discussões que esse envolvimento traria. Lattiffe ainda procura tratar da trama pela via do humor, o que acrescentaria uma ótica bem interessante ao tema, mas essa opção de gênero acaba por deslumbrar demais todo o filme, que acaba virando um pastiche do assunto, com frases e situações que beiram o escracho e resultam no inevitável riso fácil. Em nenhum momento o filme apresenta as motivações de seus personagens – o casal se conhece, se apaixona, aceita a situação como se fosse rotineira e o roteiro só ampara esse ciclo para angariar gargalhadas da plateia, como se a comédia em si não fosse uma plataforma verossímil a uma discussão mais ampla da relação.

Os atores, entretanto, são o destaque do longa. Simone Spoladore faz uma composição precisa de sua personagem homossexual e Igor Cotrin consegue trazer humanidade a seu travesti que o roteiro insiste em caricaturar. Até o elenco de coadjuvantes é muito bom. Faltou mesmo um roteiro que fosse mais inteligente na abordagem e não condescendente ao artificialismo do humor raso. Assisti ao filme em sua sessão de gala no Festival do Rio e ele realmente fez muito sucesso entre os presentes, uma vez que a plateia se divertiu muito. Mas aí é que está: muitas gargalhadas, aplausos em “cena aberta”, mas no fim o que era para ser um interessante retrato das múltiplas possibilidades do desejo (ou do amor?), acaba virando uma comediazinha que se esquece com a mesma rapidez que é consumida.

Dica de Música: "Eternamente" (Fafá de Belém)

A bipolaridade de VIPs

2010-10-12T14:57:00.000-07:00

Vencedor do Redentor de Melhor filme do Festival do Rio 2010, VIPs, de Toniko Melo estava sendo considerado o Prenda-me se for capaz brasileiro, mas o filme é, na verdade, um thriller muito mais preocupado em investigar as motivações psicológicas de seu indivíduo do que acompanhar suas armações emblemáticas, como no filme de Spielberg.

Protagonizado por um (cada vez mais) inspirado Wagner Moura, o filme conta a impressionante história real de Marcelo Nascimento da Rocha, piloto que se faz passar pelo dono da companhia aérea Gol. Baseado no livro Vips – Histórias reais de um mentiroso, de Mariana Caltabiano (que apresentou no Festival um documentário sobre o mesmo tema), VIPs vai radiografando o percurso da ambiguidade de Marcelo, que teve uma família decadente – a atriz Gisele Fróes dá vida a mãe do protagonista, em uma atuação memorável, não à toa premiada como Melhor Coadjuvante no Festival – que o desestimulava em suas ambições de vida. Até que ele decide partir para o Centro-Oeste, onde aprende a pilotar, passando a trabalhar para um traficante argentino. Daí sua vida vira uma mistura de trapaça, acaso e sorte.

Toniko centra sua trama mais na relação do protagonista com sua (falta de) identidade e não parece preocupado em tematizar suas estripulias ilegais. Com isso, o filme torna-se mais denso do que o esperado e isso não é um demérito. Talvez careça de mais estilismo para implementar melhor essa opção narrativa mas a história rende bem, com um apuro técnico muito bom, o que aliás é a marca da O2, produtora deFernando Meirelles, que assina a produção. A trilha de Fernando Pinto também é muito bem feita e até dissonante do que vem sendo feito em trilhas no cinema nacional.

No fim, temos a sensação de termos participado de uma sessão psicanalítica de um homem em conflito consigo mesmo, conflito este que se estende pela narrativa que oscila entre a estética convencional e o discurso notadamente psíquico. O filme acaba e esse conflito também contamina o espectador na avaliação do que acabou de assistir. Será que o filme é transcendental ou bipolar?

Dica de Música: "Jesus to a child" (George Michael)

A direção certa de Ben Affleck

2010-10-06T14:50:00.000-07:00

Exageradamente subestimado em sua carreira de ator, Ben Affleck ressurgiu para público e (principalmente) para crítica numa bem sucedida carreira de diretor. Em 2007 lançou Medo da Verdade, adaptação do livro Gone Baby Gone, do escritor norte-americano Dennis Lehane (o mesmo do vigoroso Mystic River, adaptado para os cinemas por Clint Eastwood em 2003, que, por aqui, chamou-se Sobre Meninos e Lobos). Em sua estréia na direção, o ator demonstrou talento apurado ao esmiuçar as ambiguidades que o livro evoca em sua estrutura narrativa. Affleck dirigiu a produção com uma secura imprescindível para o sucesso (pelo menos artístico) de sua pretensão.
Agora ele encara seu segundo filme (e desafio) com The Town (ridiculamente traduzido no Brasil como Atração Perigosa) em que, não somente conduz, como também protagoniza, provando que assim como sua direção, sua atuação merece ser vista com respeito.
Mais uma vez adaptando um texto literário (baseado no livro The Prince of Thieves, de Chuck Hogan), o ator/diretor conta a intricada trama de Doug MacRay (vivido pelo próprio), um assaltante de carros-fortes que decide parar de viver na marginalidade. Um assalto que termina fazendo uma gerente de banco (Rebeca Hall) de refém, acaba sendo o estopim para essa sua decisão. É claro que os dois acabam se envolvendo num jogo de extremos entre paixão e marginalidade. O filme conta ainda com um bom time de coadjuvantes como o badalado Jeremy Renner (a coisa mais interessante do superestimado e oscarizado Guerra ao Terror), como um tenso antagonista, Jon Hamm (Mad Men) e uma surpreendente Blake Lively, provando ter vida própria para além de sue glamuroso papel de protagonista na série Gossip Girl.
Procurando mais radiografar do que simplesmente ambientar o filme em sua Boston natal, Affleck – que também contribuiu ao roteiro – é seguro na direção do longa, sendo claramente influenciado pelos filmes policiais americanos da década de 70. Compreende perfeitamente a natureza do gênero de seu filme e vai manejando a tensão sempre de acordo com o crescimento da trama. Assim como em seu filme anterior, há ainda problemas no roteiro – em Medo da Verdade a engenhosidade excessiva quase atrapalha o bom resultado final. The Town exibe ganchos muito inverossímeis e sua conclusão beira o melodramático, quase que dissonante do restante do filme. Sorte que Affleck mantém sua direção na objetividade do que se propõe e essa segurança faz toda a diferença. Se continuar nesse raciocínio fílmico poderá chegar ao panteão dos grandes realizadores do cinema. Volta por cima ele já sabe muito bem como dar.

Dica de Música: "Condição" (Lulu Santos)

A Suprema Felicidade de Jabor é meramente pessoal

2010-10-06T14:46:00.000-07:00

A Suprema Felicidade, novo filme do polemista Arnaldo Jabor após 25 anos sem filmar, é um longa de retrospecto. Mirando sua lente no lirismo de uma memória afetiva, o diretor evoca a verve Felliniana de filmar para um exercício de saudosismo estético que pode ou não ser satisfatória numa conjuntura cinematográfica.
A trama começa com o fim da Segunda Guerra e vai narrando a história de Paulo e sua família. De como seus pais (Dan Stulbach, eficiente, e Mariana Lima, surpreendentemente deslocada no papel) se conheceram e a decadência futura do casamento, assim como estabelece o amadurecimento do menino que vira um rapaz (Jayme Matarazzo, assertivo em sua delicadeza), que olha para o mundo com um romantismo quase pueril, de acordo com a ingenuidade reinante na época. A intensa amizade com seu excêntrico avô (Marco Nanini, de longe a melhor coisa de todo o filme) o leva a compreender a boemia carioca e a instabilidade de um mundo em transformação.
Jabor parece não estar interessado em contar propriamente uma história e sim em fazer o espectador se transportar para um tempo em que o próprio tempo era relativo. E nessa busca o diretor acaba por cair na armadilha da passionalidade: de tão encantado com o universo idealizado, fez um filme excessivamente pessoal e não necessariamente universal.
Quando questionado sobre o porquê de seu retorno ao cinema após tanto tempo, Jabor afirma que o jornalismo – e a política, seu tema frequente – lhe trouxeram dinheiro, mas o roubaram a esperança. Voltar a filmar era a busca por esse bem que os últimos anos o havia destituído. Faz bastante sentido; porém, em termos de contundência, quando Jabor era desertor da arte produzia ideias mais provocadoras. Sim, pois até para falar de uma felicidade suprema, é necessária certa dose de instigação…
Enfim, A Suprema Felicidade não é um filme necessariamente ruim, apenas não corresponde nem às expectativas de um filme de Arnaldo Jabor - nem falo do fel discursivo de seus filmes das década de 70 e 80 -, nem compreende satisfatóriamente a pretensão estimulada por ser título.

Dica de Música: "Você é minha" (Caetano Veloso)

Nosso Lar e a síndrome de Paulo Coelho

2010-09-30T09:04:00.000-07:00

Dar forma a uma boa intenção literária requer um exercício de desprendimento pois o audiovisual já impõe muitas idéias para querer também impor lições. Quando isso acontece, o artificialismo didático acaba por enfraquecer um resultado.

Esta aí o grande problema do mais novo fenômeno de bilheteria do cinema nacional Nosso Lar, de Wagner de Assis. Baseado em livro psicografado por Chico Xavier, o filme acompanha a trajetória de redenção espiritual de André Luiz, um médico que teve uma vida errônea de excessos e que quando morre, vê-se preso a uma dimensão chamada umbral, espécie de purgatório de almas, onde passa a rever toda a sua vida pelas vias do arrependimento. Essa desventura é apresentada de forma tão reverente à matriz literária que torna-se banal em suas próprias pretensões

O filme, de forma geral, evoca a síndrome de Paulo Coelho: uma obra recheada de boas intenções, mas que se propõe messiânica demais para dialogar com o espectador, tornando essa inter-relação um tanto infantilizada. O diretor – do fraquíssimo A cartomante - também não ajuda, deslumbrado demais com os efeitos especiais internacionais que ilustram a história. Efeitos esses que só comprovam essa infantilização conceitual do filme: a direção de arte mais parece com o mobiliário infantil da Casa da Barbie e pouco acrescenta ao enredo. E ainda não conseguiu estabelecer uma unidade cênica verossímil de seus atores, uma vez que o nível é bem irregular, tendo na atuação de seu protagonista, o ator Renato Pietro, sem um pingo de carisma, seu exemplo mais gritante. Aos que conseguirem dissociá-lo de sua premissa religiosa e analisá-lo apenas como produto cinematográfico verá que o resultado mais parece àqueles vídeos institucionais para conferências espíritas e não um filme ao qual se agregue valores de uma crença

Ainda que conte com eficiente trilha de Philip Glass, que fez trabalhos memoráveis em filmes, como a obra-prima As Horas, Nosso lar só reforça sua incapacidade de dimensionar sua mensagem (ou seria sermão?) para além da banalidade evangelizadora. Como se o espectador, para refletir, precisasse de uma cartilha e não de uma análise do que vê. Ora, mas não é assim que a obra de Paulo Coelho é absorvida?

Dica de Música: "Cruisin" (Gwyneth Paltrow)

Rio + Cinema

2010-09-30T08:57:00.000-07:00

Esse ano, estou trabalhando na produção do Festival do Rio e para tal, venho acompanhando a maioria das premiéres dos filmes nacionais concorrentes ao Redentor 2010. Dentre eles, os aguardados "Vips", com Wagner Moura, "Como esquecer", com Ana Paula Arósio e "Elvis e Madona", com Simone Spoladore. Breve postarei aqui as críticas e comentários do que rolou de mais interessante neste período em que o Rio respira cinema...

Dica de Música: "Ela faz cinema" (Chico Buarque)

Renovação reveladora

2010-09-28T09:04:00.000-07:00

Nesses revivals de filmes oitentistas, um dos clássicos da "Sessão da Tarde" não poderia ficar de fora. "Karatê Kid" é revisitado com produção de Will Smith e protagonizado pelo seu filho, Jaden Smith, que mantém em seu DNA o carisma emblemático do pai. Com direção de Harald Zwart ("Agente teen"), o remake, que se propõe atualizar o correto filme original, mostra-se frágil em sua sustentação dramática (as analogias do treinamento e o drama pessoal do velho treinador vivido por um Jack Chan até inspirado são bem rasos e inconsistentes) e é salvo justamente pelo saudosismo catártico que o filme original provoca, principalmente nas cenas finais de luta, em que o protagonista vence pelo batido viés da superação. Não é um filme horroroso, mas trata-se de um exemplo de como a atualização de um (quase) clássico pode muitas vezes expor o quanto o cinema regrediu até mesmo na seara dos blockbuster... E, neste caso, não dá nem para falar para ver sem exigir muito pois qualquer um que tomava Todynho no sofá, assistindo a "Sessão da Tarde" nas décadas de 80 e 90, sabe do que estou falando...

Dica de Música: "Deve ser amor" (Kid Abelha)

Consagração e retórica no Festival de Veneza 2010

2010-09-14T11:41:00.000-07:00

E a 67ª edição do tradicional Festival de Veneza manteve a alcunha polemista que tanto fez História ao longo dos anos e o coloca como importante plataforma do surgimento e/ou oxigenação do cinema mundial. Com um júri presidido por Quentin Tarantino (o que prometia uma premiação, no mínino, personalista) o Leão de Ouro (prêmio máximo do Festival) caiu nas mãos de Sofia Coppola, por seu Somewhere. Prêmio este, muito comentado uma vez que os dois já foram namorados e a crítica, que se dividiu no tocante a relevância do filme em si, levantou a hipótese de favorecimento. Para completar, Tarantino ainda inventou um segundo Leão de Ouro especial, este pelo conjunto da obra, para o também norte-americano Monte Hellman, que concorria com o (taxado) excessivamente experimental Road to Nowhere. Hellman foi um dos mentores de Quentin, no início da carreira.
Cabe dizer que todo festival que se propõe a personalizar seu júri em cada edição, está sujeito a esse tipo de revés. Esse ano, em Cannes, o cineasta Tim Burton foi o convidado para presidir o júri e também rendeu muita polêmica ao premiar um filme tailandês notadamente hermético. Segundo Tarantino, o filme de Sofia foi uma unanimidade entre o restante do júri e “retrata perfeitamente o lado superficial da cidade de Los Angeles”. E os Estados Unidos continuou expressivo ganhado o prêmio de melhor ator para Vicent Gallo, protagonista do drama polonês Essential Killing. O polêmico ator americano, que diz não freqüentar tapetes-vermelhos, e, no fundo, sempre chamando a atenção para si (quem não se lembra de seu The Brown Bunny, que dirigiu e protagonizou, onde tem a histórica cena de felação explícita com a atriz Chloe Sevigny), não compareceu para pegar seu Leão.
O prêmio de interpretação feminina foi para a francesa Ariane Labed, pelo filme “Attemberg” da grega Athina Rachel Tsangari. O comentado Black Swan de Darren Aronofsky, esperado filme das bailarinas rivais, estrelado por Natalie Portman, saiu com o prêmio Marcello Mastroianni de intérpretes novatos para Mila Kunis (se bem que ela não é uma estreante, tendo já feito até blockbusters como O livro de Eli).
Óbvio que muitos filmes foram ignorados, inclusive os quatro representantes italianos da Mostra. A Solidão dos Números Primos, filme baseado em livro homônimo já lançado aqui no Brasil, que por sinal sempre me chamou muita atenção, tanto pelo intrigante título quanto pela abordagem de seu argumento, era uma promessa italiana, mas passou em branco.
O Festival também notabilizou alguns filmes inéditos que passaram fora de competição como a estréia internacional do diretor Andrucha Waddington, com Lope, filme de época que recria livremente parte da juventude do poeta e dramaturgo espanhol Lope de Vega (1562 – 1635). Andrucha foi muito aplaudido em Veneza, apesar da imprensa espanhola não ter gostado tanto. Até pelo fato de ser um brasileiro dirigindo uma história puramente espanhola. Bem Affleck, depois do ótimo Medo da Verdade, também levou a Veneza seu segundo filme como diretor The Town (que no Brasil chamará Atração Perigosa), onde também atua, numa trama sobre um grupo de ladrões de banco. Veneza costuma dar sorte ao ator e diretor, uma vez que foi nesse mesmo Festival que ele ganhou um inesperado prêmio de melhor ator por Hollywoodland.
Enfim, foi um quase turbulento Festival de Veneza que, acima de desacordos críticos e distinções estéticas, confirmou o perfil da mostra à constante discussão audiovisual... E isso, nem todos conseguem...

Dica de Música: "Quelqu'un M'a Dit" (Carla Bruni)

I LOVE NY!!!

2010-09-14T08:53:00.000-07:00

Não sou lá um apreciador de Hip Hop, mas tenho uma queda inteira pela Black Music... Esse clipe da gracinha Alicia Keys e do rapper Jay-Z (mais conhecido como marido - !!! - de Beyoncé) está aqui principalmente pela belíssima homenagem que faz a cidade de New York. Para os que, como eu, são apaixonados pela atmosfera, música, esquizofrenia, caos, possibilidades e afins desta cidade, o clipe é um banquete aos olhos... Muito bem fotografado (acabou de ganhar da MTV o VMA 2010 de melhor fotografia), nem a música atrapalha, pois trata-se de uma baladinha pulsante que consegue compreender toda a efervescência novaiorquina... Sabe àquele lugar que você ama sem nunca ter pisado ainda? É por aí...

O refrão diz tudo:

Em Nova York,
Selva de pedra onde Sonhos são realizados,
Não há nada que você não possa fazer,
Agora você está em Nova York,
Essas ruas vão fazer você se sentir novo em folha,
As luzes vão te inspirar,
Salva De Palmas para Nova York, Nova York, Nova York

Vale a pena esperar por Sofia Coppola

2010-09-13T07:51:00.000-07:00

“Oh, se eu ao menos pudesse ter uma vida de sensações em vez de uma vida de pensamentos.”
O clamor definitivo do poeta inglês John Keats parece ser a tônica que move o delicado universo cinematográfico da cineasta Sofia Coppola. Seus filmes são inteiramente sensoriais, deixando ironias, discursos ou até mapeamentos históricos soltos em uma narrativa bem mais preocupada em buscar uma assimilação pessoal, como se persuadisse uma intimidade quase psíquica com o espectador. Foi assim em sua aclamada estreia, no intenso As Virgens Suicidas (Virgin Suicides, 1999), adaptação do livro homônimo, onde relativizou, com impressionante apuro narrativo para uma iniciante, as incongruências que existem em quem opta por decidir entre a vida e a morte. Essa interseção suicida nos é passada de forma tão sutil que extraímos beleza de um tema tão mórbido. E o filme ainda termina com a sensação de ser um ensaio sobre a vida. Um marco também foi sua intrigante e deliciosa trilha, com a dupla canadense Air.
Mas sua consagração mesmo veio com o intimista Encontros e Desencontros (Lost in Translation, 2003), merecidíssimo ganhador do Oscar de Melhor Roteiro, onde Sofia não só consegue tematizar um estado de espírito, como junto com outras obras-primas como Closer (2004), Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças (2004), Antes do Pôr do Sol (2004) e Two Lovers (2008), redefinir o gênero romance na seara hollywoodiana no início dos anos 2000. O improvável casal formado por Bill Murray e Scarlett Johansson passa por um interessante processo de construção de intimidade, onde gravitam questões sobre inadequação, solidão e passionalidade de forma tão sutil quanto orgânica.
Apesar de ter enfrentado muitas críticas quando atuou como atriz no clássico O Poderoso Chefão, do pai Francis Ford Coppola, a cineasta, depois de ser quase uma unanimidade em seus dois primeiros filmes, enfrentou mais um revés com o belo Maria Antonieta (Marie Antoniette, 2006), que chegou a ser vaiado em Cannes. De fato, nunca compreendi essa rejeição tão acentuada, principalmente pela inventividade que ela imprimiu ao filme como um todo. Não precisa ser muito inteligente para perceber que a intenção ali não era fazer uma análise política “modernosa”, e sim capturar a essência reacionária da personalidade retratada. Inclusive a sustentação da trama de seu filme é espertamente pautada nisso; é na desconstrução de um mito, sendo quase uma expressionista em seu universo, que o filme revela mais que uma biografada, mas sim, um importante signo da História Moderna.
Como talento não se discute mesmo, em seu mais novo filme, Somewhere, que fez bonito em sua primeira exibição no Festival de Veneza há poucos dias, a diretora norte-americana mira sua lente (de fortes traços autobiográficos) para a trajetória de um astro hollywoodiano que mora em um hotel de Los Angeles – o famoso Chateau Marmont, onde, em 1982, morreu o ator John Belushi por overdose de heroína. É na relação que ele resgata com sua filha que Sofia pauta o filme. O trailer, com notável música de Julio Casablancas, do The Strokes, já comprova que o filme é mesmo da “grife” Sofia Coppola, pela singeleza das imagens e possibilidades comedidas das palavras. Ou seja, ela consegue aquilo que Keats almejava há mais de 100 anos atrás.

Dica de Música: "42" (Coldplay)

Stallone transfere sua decadência para a América

2010-09-08T09:54:00.000-07:00

A reunião brucutu que Sylvester Stallone promove em seu “Os mercenários” se revela como um retrato da face decadente que as forças icônicas americanas, que nos anos 80 foram instrumentos de auto-afirmação política, representaram cinematograficamente. Esqueça a trama, que nada mais é que um arremedo de 90% dos filmes do “Domingo Maior” e embarque na ironia discursiva de seu contexto ou apenas divirta-se com os conhecidos absurdos do produto na tela. Stallone esbanja preparo físico, mas um ar de cansaço persegue cada quadro de suas cenas, mas o que não faltam são expoentes da categoria para manter o ritmo de pancadaria que nutre a trama (!): Dolph Lundgren (surpreendente como uma nova versão de Mickey Rourke ressuscitado), o próprio Rourke (que parece ter se divertido no set), Eric Roberts (fazendo o de sempre...), Jet Li (o descanso cômico da barulhada), Jason Stathan (o personagem mais elaborado e bem defendido do filme), Randy Couture, Gary Daniels e Steve Austin (lutadores atores que justificam o público a qual o filme é destinado). Há ainda uma divertida participação de Arnold Schwarzenegger e Bruce Willis, que talvez sintetize muito o “espírito” do filme de (tentar) ri de si mesmo.
A história fala algo de um recrutamento feito pelo personagem de Willis aos tais mercenários (Sylvester e Cia) para que se infiltrem numa ilha latina e matem seu ditador, até que descobrem que existem muito mais intrigas no lugar do que o serviço contratado poderia supor. Dentre eles a personagem da atriz brasileira Gisele Itié, aliada do grupo, mas inteiramente apegada a sua terra.
A simplicidade do argumento se expande ao roteiro, que rende cenas absurdamente integradas á histeria dos filmes de ação dos anos 80, como as rasas motivações de seus heróis, o exército de um homem só e a banalização das mortes. Visto como uma simples diversão escapista, o filme é bom, dentro de suas próprias limitações. Fora que é divertido assistir a região de Guaratiba, aqui no Rio de Janeiro, maquiada para parecer com Cuba comunista. Mas deixando-se contaminar um pouquinho pelo cinismo do mundo contemporâneo, asseguro que “Os Mercenários” é, assim como o notável “Gran Torino”, uma alegoria de uma América falida política e moralmente que busca se reerguer. Neste caso, com muito barulho...

Dica de Música: "Reza Vela" (O Rappa)

Se a cidade é de Deus, a visão é dos homens

2010-09-08T09:46:00.000-07:00

Foi debaixo de uma verdadeira erupção crítica que o cineasta Fernando Meirelles lançou, há quase dez anos, a radiografia mais completa da embriologia social do crime no Rio de Janeiro com "Cidade de Deus". Uma boa parcela da opinião pública o acusou de usar o filme como ferramenta de estilização da pobreza, usando argumentos (falhos) de que a natureza publicitária de Meirelles olhava para aquela mazela social, não como um universo a ser discutido mas como um produto a ser explorado. A adesão maciça do público e o reconhecimento internacional (assim como de alguns representantes importantes da imprensa daqui), acabaram por consagrar o filme ao panteão da história do cinema, contrariando qualquer aversão midiática.
"5x Favela, Agora Por Nós Mesmos", já chega com esse reconhecimento atestado. Trata-se de uma revisão do filme original, feito há cerca de 50 anos, dirigido por Cacá Diegues, Joaquim Pedro de Andrade, Leon Hirszman, Marcos Farias e Miguel Borges, jovens politizados de classe média que arregaçaram as mangas juvenis e produziram o que acabou se tornando um dos símbolos do panorama sócio-político do Cinema Novo. O filme de 1961 assistido hoje, nos passa a sensação de que envelheceu mal, principalmente pela ingenuidade. Mas é sintomática a percepção de que junto a essa nova visão de 2010, que como o título diz, é “por nós mesmos”, ou seja, uma visão doméstica de um gueto que se vê e é visto como gueto, os dois filmes são não só complementares como são sínteses de que a realidade urbana do país tornou-se patológica em seu próprio território.
Com preciosa produção de Cacá e sua esposa Renata de Almeida, o filme é dirigido por um grupo de jovens que, conhecedores de e da causa impressa na tela, que fazem refletir, com uma intimidade admirável com o veículo, o cotidiano daquilo que é vivido. Separado em cinco episódios, as tramas dialogam entre si na verdade com que é personificada, mas não deixam de denotar suas personalidades, vistas separadamente.
Fonte de renda, de Manaíra Carneiro e Wagner Novais, desconstrói o sentido de fábula social ao narrar as desventuras de um jovem para se manter na universidade.
Arroz com feijão, de Rodrigo Felha e Cacau Amaral, se vale do lirismo infantil para mimetizar seu discurso.
Concerto para Violino, de Luciano Vidigal, é menos inventivo na forma (há o previsível uso do grafismo recorrente nos filmes do gênero), mas bem contundente no conteúdo, ao retratar a realidade do tráfico partindo de uma trama saudosista, onde três amigos de infância se posicionam em esferas distintas no mundo adulto.
Deixa voar, de Cadu Barcelos, explora as extremidades que existem dentro do próprio território dos que vive a margem; e finalizando vem o solar Acende a luz de Luciana Bezerra, o mais personalista dos cinco, onde a diretora absorve toda a despretensão da comédia de Vaudeville para compor um episódio em que o morro se mostra condescendente às trivialidades de qualquer organização social do mundo.
São cinco histórias que trazem como principal reflexão o seu sentido de identidade. E uma reflexão tão certeira, quanto o estilismo de Fernando Meirelles, em 2002, afinal, por exemplo, para entendermos as novas configurações sociais da Itália pós-Segunda Guerra, não foram necessários que as vítimas empunhassem suas câmeras. Rossellini e De Sica foram alguns que nos externaram o neo-realismo italiano com muita propriedade. Então, não provém da classe social de um diretor a sinceridade de uma obra. O capricho estético de uns ou o berço sofrido de outros só traduzem talvez um estilo. O resultado vem da forma como a questão é encarada.
"5X Favela, Agora por nós mesmos" é um êxito pela conjunção da verdade com a inteligência. E da noção de que essa verdade depende de como a realidade é vista, e não idealizada. Seja dos casebres do Vidigal ou das janelas retangulares dos Jardins.

Dica de Música: "Muito pouco" (Moska)

Minha Novela

2010-09-02T11:24:00.000-07:00

"Desperate Housewives" está estreando sua sétima temporada após uma trajetória em que teve de se reinventar para sobreviver, pelo menos criativamente (pois sua audiência na TV americana é estável). Já aconteceram tornados devastadores, passagens de anos, saída de personagens importantes... E a série continua bem divertida. Eu estou bem atrasado nos episódios, mas com a experiência de quem saiu e voltou do universo irresistível da Wisteria Lane, garanto que sua natureza espirituosa mantém-se inabalável. Claro, que nestes anos todos (a série é de 2004) já demonstrou cansaço e, muitas vezes, incongruência narrativa. Mas é inegável sua incrível capacidade de se reinventar, principalmente pela estabilidade cênica de seu quarteto de protagonistas, que são acima de qualquer nota. Assim como a química adquirida ao longo dos anos. Esta promo é deliciosa, e ainda dá uma palhinha da esperada participação da atriz Vanessa Willians (destaque em "Ugly Betty"), que espero, venha para ficar.
Por isso que essa "novelinha" americana nunca sai da minha rota de visão na TV.

Dica de Música: "Saúde" (Rita Lee)

Ausência de Shyamalan...

2010-09-02T09:31:00.000-07:00

O cineasta M. Night Shyamalan se escora atualmente entre duas correntes no mainstream do cinema americano: de um lado, os que o vêem com uma farsa, e acompanham sua derrocada filme após filme depois de subestimado "Corpo Fechado"; de outro, àqueles que acreditam no seu talento (alguns, até na sua genialidade) e sempre esperam que seus próximos filmes reflitam um brilho do passado e não os equívocos de um até então presente, leia-se, "Fim dos tempos". Com seu mais novo e aguardado filme "O último mestre do ar", Shyamalan fica no W. O., ou seja, diante da expectativa desses dois grupos, ele simplesmente não apareceu para ser avaliado... Explico: o filme é ok, bem mediano, acho até que as pesadas críticas são bem exageradas (a imprensa americana o considerou o pior filme do ano até agora) mas é o menos Shyamalan de todos os seus filmes. Nem o anterior (bem ruizinho por sinal) era tão impessoal quanto esta adaptação de um famoso desenho da TV, "Avatar: The Last Airbender" . Confesso que assistindo ao filme fiquei até interessado em ver esse desenho, uma vez que sua premissa é até interessante, pois trata-se de um mitologia cujo o universo é formado pelos quatros elementos: fogo, terra, ar e água. A trama do filme se desenrola quando quando dois jovens da tribo da água encontram Aang, um excelente dominador do ar, e acabam por descobrir que se trata do único dominador dos quatro elementos. O diretor, que também assina o roteiro, parece mais entusiasmado com a história do que necessáriamente apto a adaptá-la. Para a grande maioria dos leigos do desenho, o roteiro revela-se confuso e prolíxo. E o elenco também não ajuda. O ator mirim Nohah Ringer, que dá vida ao papel principal e primordial do filme é fraco demais, comprometendo a já difícil assimilação daquele universo. Por mais que Shyamalan ainda mantenha certo apuro visual, é gritante a falta de uma centralizada no contexto espacial de seu filme. Parece que ao adaptar um texto que não é o seu, ele deixa a reverência falar mais alto que a criatividade.
Repito: não é o pior filme do mundo, nem o pior de M. Night Shyamalan, apenas um filme em que um até então talentoso diretor preferiu não se arriscar. Está aí o grande pecado do resultado final.

Dica de filme: "Lift me up" (Christina Aguilera)

O êxito do cinema de espionagem

2010-08-26T21:46:00.000-07:00

Em 2004, o diretor britânico Paul Greengrass redefiniu o filão de filmes de espionagem ao agregar o fator urgência na espetacularização do ótimo “Supremacia Bourne”, primeira sequência da franquia literária “Identidade Bourne”. Depois disso, o gênero nunca mais foi o mesmo tornando-se uma alternativa a eterna referência estética do cinema marginal americano da década de 70. Prova disso é a contundência realística conferida no novo filme de Angelina Jolie, “Salt”. Dirigido com rigor por Phillip Noyce (do clássico ufanista “Jogos patrióticos”), o filme parte de uma premissa obsoleta (motivações políticas nascidas nos porões da Guerra Fria) para desenvolver uma trama que destrincha os jogos diplomáticos pós-Bush, vigentes hoje nos EUA. Ciente de todos os códigos de gênero, Noyce constrói um eficiente thriller que dialoga com o cinemão tradicional, reverente às impressionantes cenas de ação, e com isso se vale de um roteiro (escrito por Kurt Wimmer, de “Os reis da rua”) muito bem amarrado e, coincidentemente atual no cenário doméstico do próprio tema, uma vez que, a poucos dias do lançamento mundial do filme, foram descobertos nos EUA espiões russos infiltrados socialmente há mais de uma década. E por motivações, ainda, soviéticas. Seria redundante dizer que a atriz está deslumbrante no papel, e sua persona se justifica ainda mais ao equilíbrio que o diretor buscou ao convergir a seriedade do tema com a natureza escapista do produto que o filme é. E é justamente nesse casamento que toda a cartilha de “Bourne” é levada ao pé da letra e “Salt” se mostra, de fato, um grande filme, pois, seja pela (boa) forma curvilínea de Jolie, ou seja pela contundência na qual a superprodução situa uma das mais antigas rivalidades políticas do planeta, o espectador sai do cinema ciente de que tanto o mundo (em que vive), quanto o cinema (que assiste) são regidos pelo mesmo poder, cristalizado no discurso do filme.

Dica de Música: "under the bridge" (Scala & Kolacny Brothers)

Forma X Conteúdo

2010-08-26T21:42:00.000-07:00

Sou avesso a esse estigma de que os diretores oriundos da publicidade acabam por produzir filmes plastificados, excessivamente pautado na forma e rasos em seus discursos. Afinal, nomes como Fernando Meirelles e Heitor Dhália vieram desse contexto e são uns dos diretores mais substanciais do nosso cinema. Mas eis que surge "400 contra 1: A história do Comando Vermelho" para reforçar esse pré-conceito. Primeira produção do diretor de comerciais Caco Souza, o filme é baseado no livro autobiográfico homônimo de Willian da Silva Lima, onde acompanhamos a gênese da organização criminal no presídio de Ilha Grande, RJ, onde um bando - que fizera célebres assaltos a banco - acabou se uniformizando pela conjuntura ideológica, num mesmo universo onde conviviam com presos políticos. Protagonizado pelo sempre entregue Daniel de Oliveira, a trama busca compreender toda a efervescência política da época (anos 70 e 80) e suas implicações dentro da claustrofobia daquelas relações. Aí é que está: Caco parece mais preocupado em impor um incômodo estilismo (estrutural e formal) não permitindo que a história transcorra dentro de uma linearidade plausível. Sabe quando os maneirismos soam gratuitos? O curioso é que o roteiro nem é ruim, conseguindo estabelecer bem seus diversos núcleos, mas Caco não permite que isso sobressaia. No fim, acaba que o filme destaca-se mais pela vaidade de seu criador do que pela urgência de sua criatura.

Dica de Música: "A queda" (Lobão)

Sonho de valsa

2010-08-23T00:17:00.000-07:00

Darren Aronofsky é um diretor inquieto frente as possibilidades estéticas de seu cinema. "Pi" e "Requiém para um sonho" foram seus primeiros experimentos linguísticos, chegando ao hermetismo do atribulado "Fonte da vida". Mas ainda que se preocupe demasiadamente em firmar esses "conceitos", é quando se limita a investigar os dramas humanos de seus personagens (como no bom "O lutador") que revela a dimensão de seu trabalho. Não é à toa que seu mais novo filme "Black Swan" tem causado grande expectativa nos cinéfilos planetários. O trailer - perfeito - dá provas (precoces) do domínio do diretor no gênero thriller, principalmente na condução desse paradigma. Protagonizado pela ótima Natalie Portman, o filme mostra a rivalidade de duas bailarinas clássicas por um importante papel numa ópera classicista. Essa rivalidade emerge em meio à estranhas relações inter-pessoais que incluem certo sadismo e lesbianismo (à princípio) sugerido. Um trailer para pular da cadeira. Aronofsky tem credencial para tamanho culto antecipado, principalmente agora que descobriu que é na simplicidade de um boa história que a grandeza de seu cinema se revela.

Dica de Música:"Às vezes" (Tulipa Ruiz)

O peso de ser Grande

2010-08-22T23:08:00.000-07:00

A verdadeira "instituição" (ou franquia?) que se tornou "Shrek" ficou tão importante e, de certa forma, exigente que acabou por virar seu próprio algoz. Quando surgiu, a franquia revolucionou a seara de filmes infantis (!) ao debochar de forma inteligente, do batido universo de conto de fadas. Era o humor pela retórica, algo que até se popularizou em diversos filmes no início desta década. "Shrek 2" veio com a função de manter (e angariar mais um quinhão de dólares) o impacto do primeiro filme e conseguiu superá-lo. A continuação é um dos pouquíssimos exemplos onde o segundo supera o primeiro, excetuando-se o quesito ineditismo. Em "Shrek Terceiro", o desgaste da fórmula foi gritante e a comprovação de que toda boa idéia é sensível a decomposições se justificou num filme puramente caça-níquel. Neste novo lançamento, eu diria que a coisa fica bem no meio termo: o humor bem sacado do início praticamente inexiste. Diferente dos dois primeiros filmes, eu não gargalhei em nenhum momento, mas seu roteiro é esperto ao abordar um dilema adulto sem incomodar o ideário infantil ao qual o filme busca. Os conflitos que alimentam a narrativa são legítimos e bem alegorizados na animação. Acaba que o discurso é (bem) mais interessante que o gênero. "Shrek" até sua primeira continuação, conseguia equilibrar isso. Hoje, contenta-se em ser interessante.

Dica de Música: "Cold War" (Janelle Monáe)

Onde os sonhos tem vez...

2010-08-18T22:36:00.000-07:00

Mário Quintana dizia que “Sonhar é acordar-se para dentro”. O cineasta Christopher Nolan estetizou essa máxima num dos filmes mais espetaculares dessa década que se inicia, “A origem”. Toda essa badalação e certa dose de polêmica não são gratuitas: o filme suscita debates sobre o que discute, e sobre o que representa, e é nesta retórica que ele vai conseguir se perpetuar na história do cinema contemporâneo. Com um roteiro certeiro (e corajoso) do próprio diretor, que obviamente levou cerca de dez anos para ser lapidado, Nolan se vale de sua costumeira habilidade em desconstruir narrativas, para contar uma trama que só se explica com a condescendência psíquica do espectador. Nolan constrói seus universos sob a crença da reflexão compartilhada com o público do qual dialoga. Foi assim ao relativizar o juízo de valor alheio no ótimo “Insônia”; ao evocar o heroísmo de um Batman desmitificado na obra-prima “O cavaleiro das trevas” e agora, propondo um jogo de realidades para dar sentido ao sentimento de vislumbrar por entre os obscuros caminhos dos sonhos. Na verdade, “A origem” é facílimo de assimilar em sua premissa racional e cartesiana. A complexidade se dá mesmo quando investiga as emoções de seus personagens. Aí não há dimensionamento e paralelismos de realidade que seja mais intrigante do que tentar compreender as motivações internas do anti-herói vivido por um Leonardo DiCaprio possuído (como visto recentemente no intenso “A ilha do medo” de Scorcese, que aliás, reserva muitas semelhanças no perfil de seu protagonista) e seu(s) fantasma(s) que assombram sua memória. Ou seriam seus sonhos? Nolan articula tudo de uma forma tão precisa – auxiliado com uma belíssima trilha dramática e urgente de Hanz Zimmer – que até o seu final, em aberto, exprime que a clareza das idéias começa no exercício da dúvida. E ao questionar o que é visto na tela, você acaba se dando conta de que, assim como a vida, os sonhos não são cabíveis de entendimento e o verso de Quintana faz todo o sentido.

Dica de Música: “Caribbean Blue” (Enya)

Sangue na veia

2010-08-17T14:17:00.000-07:00

A lendária revista "Rolling Stones" sempre produz matérias e fotografias icônicas que incendeiam a cultura pop ao longo dos anos. Quem não se lembra da mítica capa bizarro-afetiva de John Lennon e Yoko Ono, no distante ano de 1980? Estar impresso numa capa da revista - que se propõe a falar de música, mas que compreende todos os níveis da cultura pop - é corresponder exatamente ao que está acontecendo como explosão e influência midiática de um tempo. Dito isso, está para sair nas bancas americanas a edição de agosto, dando destaque para a série "True Blood", com uma fotografia de capa que resume bem o espírito (!) do programa da HBO: sexo, sangue e certa dose de iconografia contemporânea. A terceira temporada, que passa no Brasil quase simultâneamente com os EUA, vem cumprindo a expectativa - e o legado - que a série cultivou desde a primeira temporada. Episódios polêmicos e diálogos espertos dão a tônica desse novo fenômeno televisivo, que a "Rolling Stones" captou bem em sua função de expor àquilo que interessa no mainstream (sempre) contemporâneo. Que essa belíssima capa chegue ao Brasil...

Dica de Música: "Suburbs" (Arcade Fire)

Glee é Pop!!!

2010-08-14T15:45:00.000-07:00

Assistindo a toda primeira temporada de “Glee” chego a conclusão que, basicamente, trata-se de uma série bonitinha, bem feitinha e levemente ordinária. Mas até seu viés ordinário não se impõe impunemente: ao brincar com os maiores clichês da cultura (pop?) americana, o criador Ryan Murphy (junto com Brad Falchuk e Ian Brennan) extrai graça de maneirismos conhecidos para justamente subvertê-los. A trama – de personagens periféricos que entram para o grupo de coral decadente da escola e ascendem na esfera social do lugar pela arte – se impõe pela forma iconoclasta com que o roteiro difunde seus personagens. A mocinha é uma obcecada pela fama e excessivamente egóica, o galã sofre de ausência de QI, onde não sabe nem a função de uma biblioteca e a vilã (numa interpretação sem igual da atriz Jane Lynch, na qual parecem ser reservadas as melhores falas) diz barbaridades sobre as minorias, ponto fraco da atual “american way of life” na Terra do Tio Sam. Ainda que incorra por certo superficialismo narrativo (existem problemas de lógica e continuidades) e nem sempre consiga naturalizar os números musicais (sempre bem produzidos e cantados, por sinal) ao contexto da história, “Glee” torna-se irresistível pelo carisma que a série possui, principalmente pela gama de personagens que riem de si mesmo e acabam tornando orgânico o que seria apenas um arquétipo. Fora que os números musicais resgatam pérolas do cancioneiro internacional, em números musicais bem bacanas. Os especiais sobre a Madonna e Lady Gaga foram impagáveis. E o elenco (de maioria iniciantes, mas alguns com bagagem de Broadway) confirma a supremacia artística americana. Assim como a série em si, que já conseguiu romper as barreiras televisivas para figurar como um grande representante da cultura pop nos anos 2000.

Dica de Música: “Defying gravity” (Glee cast)